Blog do Pimenta

Ventos de Antanho: a beleza regional no cinema da fronteira

2011-12-19T09:53:00.000-08:00

Por Marcelo Pimenta e Silva

Hoje, durante a mostra de filmes regionais no III Festival de Cinema da Fronteira ocorre a exibição de diversas produções locais, uma delas capta as belas paisagens da região de Torrinhas e é promovido por dois jovens realizadores oriundos do curso de Comunicação Social da Universidade da Região da Campanha: Juliana Brum (jornalista) e Tamile Padilha (publicidade). O filme: Ventos de Antanho.

A ideia do filme nasceu a partir das oficinas do projeto Cinema para Todos, oferecidas pela Secretaria de Cultura de Bagé em 2011. Juliana Brum comenta que foi durante essas práticas que os dois perceberam que era possível se tornarem realizadores e cujo, filme, reúne toda a equipe que se formou na oficina. Quanto a produção em Torrinhas, a ideia do local foi de Tamile quando visitou o vilarejo e passou a enxergar tudo como locações, explica Juliana Brum.

- A partir disso fizemos algumas visitas, entrevistamos uma das mais velhas moradoras do vilarejo rural que é minha avó Aida Brum. Ela nos contou alguns acontecimentos que marcaram a história do vilarejo em diferentes épocas e daí nasceu o argumento, criado por João Carlos Silva. O João é tio do Tamile e um ótimo ator que na juventude participou de muitas peças em Bagé e até hoje escreve textos para teatro. Além do argumento, ele assumiu um importante personagem em Ventos de Antanho que é o Padre Hilário, conta. Durante as gravações, entre as funções técnicas, atores e o processo de finalização, Ventos de Antanho envolveu cerca de 20 pessoas, isso, sem contar as pessoas que moram em Torrinhas e, que segundo Juliana, muito contribuíram, até mesmo atuando no filme.

- Precisávamos de muitos figurantes e também de uma criança, com idade entre 6 e 10 anos e aqui estava bem difícil encontrar alguém, principalmente em função de ter que passar o fim de semana longe da família, então conseguimos uma menina lá mesmo e foi maravilhoso, o filme conta com uma ótima pequena atriz, ressalta.

As dificuldades, típicas para o cinema independente, se resumiram, segundo ela, a questão financeira, em gastos com alimentação e produção em geral. Tudo superado pela garra do grupo e pelos familiares que apoiaram o projeto. As filmagens do curta começaram em setembro deste ano, com quatro diárias, divididas em dois finais de semana. Juliana Brum destaca que o aspecto que deixou a todos felizes foi terem uma música feita especialmente para o filme. A realizadora salienta a participação de Lucas Trindade, que além de desempenhar um papel expressivo, que exigia concentração e dedicação, por ser o ator principal e assumir o posto faltando apenas três dias para o começo das filmagens, também é músico e assumiu a trilha original do filme, trilha que também conta com a colaboração de Nilton Vargas e Francisco Brasil.

Ventos de Antanho nasceu para que pudesse participar do III Festival de Cinema da Fronteira. Agora, os realizadores pensam em leva-lo mais longe, para outros festivais no país. Juliana Brum afirma estar sempre com muita vontade de fazer cinema, com ideias, mas nada concreto. Sobre Bagé e Região, ela disse que há muita coisa que pode e deve ser explorada cinematograficamente. Sobre o cinema, ela ressalta que para todos que desejam ingressar na área, é imprescindível não desistir na primeira barreira. Aspectos que dificultam o "fazer cinema" no interior, mas que trazem um prazer maiod quando se consegue chegar ao produto final. Além disso, ela agradece e ressalta o incentivo do cineasta Zeca Brito, alguém que difunde o cinema de forma tão ousada no município.

- O III Festival de Cinema da Fronteira é mais que um grande evento que trouxe a Bagé convidados renomados internacionalmente, como Jean-Claude Bernadet e Helena Ignez, o Festival da Fronteira está dando espaço não só para o cinema local, mas também para a música e a dança produzidas aqui, afirma.

Ficha técnica de Ventos de Antanho

Direção Juliana Brum e Tamile Padilha
Produção Ovelheiro Filmes e Co-Produção Horizon Express
Atores: Lucas Trindade, Ana Laura Barros Paiva e Dilce Mara Oliveira
Roteiro Juliana Brum e Tamile Padilha
Argumento: João Carlos Amaral da Silva
Direção de Fotografia Edison Larronda
Direção de Arte Juliana Brum
Direção de Produção Taliane Padilha
Produção Executiva Murilo da Rosa Alves e José Wilson Torales
Montagem e Desenho de Som Fabricio Rossato Fagundes.

A musa do Cinema é a musa do Festival da Fronteira

2011-12-19T09:48:00.000-08:00

- Eu acho incrível esse Festival de Cinema da Fronteira -

- É preciso mudar e transformar o Brasil -

- Ninguém investe no cinema brasileiro, dependemos dos editais. É muito difícil produzir filme no Brasil.

Por Fernanda Mendonça e Marcelo Pimenta e Silva

Os tempos não são mais de guerra fria e a contracultura há muito deixou as ruas e o cotidiano para tornar-se lembrança de um período mágico e de convergência entre as artes, a política e a sociedade, porém Bagé está vivendo em seu III Festival de Cinema da Fronteira um encontro único com o passado que traz novas perspectivas à Sétima Arte.

A atriz, produtora e diretora, Helena Ignez, uma das homenageadas do Festival, é personagem viva da contracultura brasileira, mas não é escrava do passado. Vai além dele, ao manter vivo o discurso da juventude anárquica daqueles jovens, que como ela e o seu marido, Rogério Sganzerla (já falecido), ousaram criticar o mundo conservador e, que ainda hoje, busca encontrar o verdadeiro Brasil.

Essa juventude é exalada em seus pensamentos e projetos e na vontade de ainda produzir um cinema autoral que agrade ao povo, que ele ria, mas que também reflita em suas belas imagens e que talvez se questione se esse Brasil de múltiplas faces apresentadas em seus filmes não é a sua própria representação.

E nesse processo quase antropofágico, Ignez vem até uma cidade de fronteira do Rio Grande do Sul falar de seus projetos e de seu passado, tempo que é o presente, pois em sua carreira de artista de vanguarda, ela foi a atriz que como uma guerrilheira da arte, trouxe à cena à mulher do século 21 em pleno Brasil ditatorial dos anos 60 e 70.

Nesse período sua beleza estonteante incendiava em películas como o "Assalto ao trem pagador", o "Bandido da luz vermelha" e a "Mulher de todos", todavia sua beleza vinha com atitudes transgressoras que mostravam uma mulher que não aceitava concessões e nem meros rótulos. Helena Ignez, essa baiana de fala tranqüila e de ideias pontuais sobre a arte, a sociedade brasileira e o próprio futuro do cinema, conversou com o FOLHA DO SUL, numa entrevista que serve como registro histórico do momento em que Bagé encontrou o Brasil.

Helena conversa com a reportagem do Folha - Foto de Antonio Rocha

Como é a produzir filmes no Brasil?

Existe um problema dos filmes no Brasil só serem patrocinados pelos editais, e ainda bem que existem esses editais que fazem parte dessa era Lula.

Existe incentivo financeiro para o cinema brasileiro?

Não, pelo desconhecimento total do cinema brasileiro pela elite culta, que acaba desprezando-o, mas o que eu culpo, principalmente, é o desconhecimento. Então, não existe investimento nenhum nessa indústria, no bom cinema.

A gente depende completamente dos editais, com "Luz nas Trevas" (2010- filme de autoria da atriz), que está aqui, foi assim. Eu ganhei todos os editais em dois anos, mas esse é um caso raríssimo, normalmente, você não entra com essa sorte. Essa sorte eu acho que veio de vários lados, inclusive por ser um filme do Rogério Sganzerla, então ganhamos quatro editais e só assim podemos fazer o filme, mas normalmente pra você ganhar quatro editais, você passa quatro anos. Então é extremamente longo, esse que é o grande problema do cinema de produção, do cinema bom, o verdadeiro cinema, não o cinema que pega o lado da televisão sem ser televisão. O número de filmes nacionais, que passa na televisão é muito pequeno, a não ser no Canal Brasil, que dá uma divulgação enorme para o cinema brasileiro.

Como tu observa a nova produção cinematográfica e os novos diretores?

Olha, os jovens cineastas são os melhores, isso é impressionante como está vindo uma safra absolutamente maravilhosa de cineastas brasileiros, que já estão ai com seus primeiros, segundos, terceiros filmes, como o próprio Eryck Rocha (cineasta de Transeunte, filho de Glauber Rocha).

E a possibilidade de fazer filmes em suporte digital, isso facilita uma maior produção cinematográfica?

Facilita muito, mas o 35 mm ainda tem o seu lugar e muito dos festivais não aceitam cópias a não ser de 35 mm. As leis brasileiras exigem, que num determinado orçamento você tenha uma cópia em 35 mm pra entregar para a Cinemateca Brasileira, então o cinema 35 mm barato pode ser feito com resultados extraordinários, é o caso do próprio "Luz nas Trevas", que já abriu a sua carreira brilhante, passando junto ao "Bandido da Luz Vermelha" (1968- Rogério Sganzerla), no Festival de Cinema de Locarno, na Suíça.

Como foi dar continuação à película de Sganzerla, "O Bandido da Luz Vermelha" através do roteiro que ele deixou?

O roteiro me foi dado por Rogério, ele tinha mais de 500 páginas, era mais do que um roteiro, eram páginas soltas, escritas, para serem transformadas em um roteiro, com um valor extraordinário literário.

Nós já recebemos inúmeras propostas para lançá-lo como roteiro, mas estamos escolhendo, é um roteiro realmente extraordinário, de uma qualidade Shakesperiana, grande roteiro, inclusive o Jean Claude Bernardet (teórico do cinema brasileiro), ontem, me perguntou: - Você não quer editar o roteiro de Luz nas Trevas? Isso era urgente, um roteiro que vai ser editado por si só. Reorganizei para filmá-lo como um roteiro normal, nos moldes que se pedem ao filme, com aquela metragem, 90 minutos. Essa parte é toda minha, que foi uma parte de seleção e de trabalho de construção do que eu tinha, eu tinha mais do que precisava, eu tinha ali três roteiros e dali eu tive que fazer um, essa é a minha contribuição para o roteiro de "Luz nas Trevas", eu não usei uma palavra minha.

Como se constituiu como uma mulher que atua, dirige e produz?

Eu comecei fazendo de tudo, inclusive escrevia e quando eu comecei a namorar o Glauber era uma garota ainda, nós dois éramos dois garotos. Ele me conheceu escrevendo, o que poderia ser para cinema, por vontade de ser atriz. No primeiro trabalho que eu fiz, que o Glauber também fez, "O pátio", eu tenho um trabalho autoral, não está lá, mas tá todo ligado a minha atividade de atriz, dançarina, coreografa. Eu tenho uma parte da co-direção desde o começo, mas eu não ia disputar a produção com o Glauber e depois com o Rogério, então não fazia sentido. Mas eu dirigi também, nos anos 70, com o Rogério e com o Júlio Bressane (cineasta do Cinema Marginal e Novo). Depois eu fiz um curta, meu, que foi selecionado para milhões de festivais. É uma vontade que vem comigo há muito tempo e agora é realmente uma obrigação metafísica, é uma missão de continuar um trabalho que foi interrompido, porque Rogério morreu no auge da sua produção intelectual, sendo glorificado também por esse roteiro, que ele deixou, que eu tenho nas mãos, então o "Luz nas Trevas", se apoderou do Bandido da Luz Vermelha. Ele pode fazer isso, ele é um filme impar, ele não é meu, ele também é do Rogério e ficou um filme extraordinário e digo sem erro, o extraordinário vem muito da origem, que eu também estou, graças a Deus, o próprio Bandido....

A transgressão dos seus papéis ainda existe? No "Luz das Trevas" ele se faz presente?

Eu acho que ele continua presente no "Luz nas Trevas", do personagem inclusive que eu faço, ali é o ápice, porque ali é a transformação dele. Então é o ápice, porque ela, essa personagem transgressora é intergaláctica, ela entrega a ele uma mala que é uma mala do eu, a identidade perdida. Ela entrega o eu a ele, pra bom entendedor meia palavra basta.

Esse filme faz parte de um Cinema que pensa, dentro de um cinema completamente comercial. Ele agrada qualquer pessoa que assiste.

Ney Matogrosso e Helena Ignez em Luz nas Trevas

Como era ter um comportamento transgressor em plena ditadura militar?

Eu conheci os dois lados, conheci um lado, de celebridade, porque o cinema estava no auge, então estrela de cinema era o auge, esse período era absolutamente celebridade, e ao mesmo tempo distância, que pra mim não era bom. As pessoas se distanciavam, tinham medo e o trabalho começou a ser cortado na época da ditadura. As pessoas tinham medo do comportamento transgressor

Na minha vida pessoal também era assim, mas no sentido de costumes fashions, vamos dizer assim, inclusive a própria forma de me vestir, que é diferente. Então é a mesma coisa, eu também tenho esse deslocamento hoje igual, porque me desenvolvi como ser humano de uma forma peculiar, inclusive no vestir, no ser, então sempre transgredindo de certa forma. Conheço isso, claro que na época era ditadura, e o conservadorismo era mais forte e excluía, dos bens de consumo, das produções.

Sobre o que fala o seu novo projeto cinematográfico intitulado "Ralé"?

No fundo o filme fala sobre a transformação que é possível nas pessoas através do pensamento, porque são todas pessoas que a vida de alguma maneira chicoteou em algum momento. Sempre por autodestruição e elas se transformaram. Nesse período, elas estão saindo para uma transformação maravilhosa através do pensamento.

Em que fase está a produção?

Esse filme está nascendo e estamos captando recursos. Algumas coisas conversadas, com pessoas que se interessam em captar verbas. Não é um momento fácil para a cultura.

Tem alguma previsão para o começo das filmagens?

Eu tenho algumas filmagens em maio em Manaus porque é a época perfeita para se filmar, porque depois com a chuva já começa a dificultar, porque o filme tem uma parte grande junto a uma população ribeirinha, com sequências diferentes que participam o Ney Matogrosso e eu, ligados à cultura amazônica e xamânica. Um filme que tem um apelo muito forte. E a Aurora Leão (Curadora do Festival da Fronteira) tem sido importante nesse processo porque além de ser atriz no filme ela tem essa rede de contatos com Manaus e com a Secretaria de Cultura da cidade. Manaus é um lugar elegantíssimo. Um lugar do Brasil que precisa ser conhecido e é a porta para o epicentro do mundo que é nosso e que é a Amazônia. E nesse pensamento antropofágico ligado a Oswald de Andrade e ao Rogério Sganzerla, porque a Ralé é uma história ligada a esse pensamento.

É um filme de baixo orçamento com 1 milhão de reais. O filme terá também locações em uma cidade grande, penso em São Paulo, para fazer cenas de uma cidade que está em construção e vai mostrar a identidade brasileira

O relacionamento com Glauber Rocha no começo da sua carreira, o namoro com Julio Bressane e o casamento com Rogério Sganzerla foram definitivos para o seu envolvimento com o cinema?

Absolutamente, sim. Glauber foi definitivo, assim como Rogério. Eu conheci Glauber com 17 anos de idade e nós tínhamos a mesma sensação de mundo. Achávamos que estávamos numa província e queríamos ir longe. Era um grandíssimo companheiro, muitíssimo próximo a mim. Meu cinema é muito "Glauberiano", então eu tenho esse elo e depois foram 35 anos de paixão e amor inacabado e eterno com Rogério, na arte e na vida, no perceber o que é a arte e a tragédia que é a genialidade. E tivemos filhas e netas. Eu tive o dom de unir e valorizar essa coisa, mas eu também destruí muito a minha vida.

Uma dedicação também espiritual ao cinema de Julio Bressane e que está totalmente presente nos filmes. Júlio é um mestre e gostar do cinema de Julio Bressane é um passe de inteligência. E é uma pessoa genial e íntegra. E ele parece nessa relação de abrir caminhos, pois ele era o único brasileiro jurado no festival de Roterdã (Holanda) e agora eu fui convidada para ser, o que para mim é uma honra e isso tem um peso.

Rogério e Helena

Como é carregar o título de "musa do cinema novo"?

Esse título foi dado por Luis Carlos Barreto através dos filmes que fiz no Cinema Novo, como o "Padre e a Moça", "A grande Feira" e o "Assalto ao Trem Pagador", muitos produzidos por ele. Um ótimo fotógrafo e ele me deu esse título. Ele trabalhava na revista mais badalada da época, a Cruzeiro, e me botou na capa, como "Musa do Cinema Novo". Depois, mais tarde, me associaram como musa do Cinema Marginal.

A musa

Luz nas trevas é o seu grande filme?

É o meu filme maior. Diferente do "Canção do Baal", filmado em formato digital, esse é filmado em película. Por ter ganhado quatro editais e ter um set, o mais incrível e luxuoso. O mesmo diretor de produção dos filmes de Walter Salles. Então, era tudo em alto nível. O Ney (Matogrosso) disse "Mas isso não é baixo orçamento, isso é alto orçamento!".

Dizem que após seus personagens, as atrizes brasileiras teriam se inspirado no seu estilo transgressor de interpretação. Tu acreditas nisso?

No cinema, sim. Mas de qualquer forma em "Mulher de Todos" (1969- Sganzerla), como disse maravilhosamente o Zeca (Brito), é difícil de fazer outro filme com atuações daquele tipo. Tudo contribuía. Em primeiro lugar, o momento político de 1968 invulgar da criatividade. Você já entrava com uma carga artística e isso fica evidente com a qualidade dos filmes do mundo inteiro daquele período. Tinha uma convergência extraordinária. Depois tinha um gênio do cinema que nasceu aqui perto em Joaçaba (SC), que é Rogério, e junto a pessoas antenadas, inclusive pessoas que tiravam o dinheiro do banco para fazer. Depois, 15 dias após o lançamento fomos pagos com o sucesso de público. Agora, para ter outra "Mulher de Todos" vai demorar uns cem anos.

Jean-Claude Bernadet (crítico de cinema) disse no passado que o filme "Mulher de Todos" era o melhor filme brasileiro de todos os tempos e agora ocorre essa sinergia de vocês estarem em Bagé num mesmo evento e sendo homenageados. Como tu observas esse momento?

Eu acho ele adorável e estou aqui por uma convergência, num momento cheio de trabalhos. A distância de Porto Alegre a Bagé é quase uma "Rio-São Paulo" e por uma sinergia que estou aqui nesse momento especial.

O cinema fora do eixo

2011-12-19T09:27:00.000-08:00

Por Fernanda Mendonça e Marcelo Pimenta e Silva

"Não se trata de jogar fora o que eles fizeram, mas também não se amarrar apenas a isso, afinal a vida continua", declara Bernardet sobre o Cinema Novo.

Um dos homenageados do III Festival de Cinema da Fronteira, crítico, ficcionista, roteirista, teórico, pesquisador e autor de diversas obras sobre o cinema brasileiro é Jean-Claude Bernardet, dono de um olhar apaixonado pela Sétima Arte e de palavras que expressam muito bem o que querem dizer. Nascido na Bélgica, mas de família francesa, Bernardet passou a infância em Paris e veio para o Brasil aos 13 anos. O teórico, diplomado pela École des Hautes Études en Sciences Sociales (Paris) e doutor em Artes pela Escola de Comunicações e Artes da USP (ECA), concedeu, ontem, entrevista à FOLHA DO SUL.

Depois de alguns anos, como crítico de cinema em jornais de São Paulo, Bernardet se tornou um interlocutor do grupo de cineastas do Cinema Novo. Foi um dos criadores do curso de cinema da UnB, em Brasília, e deu aulas de História do Cinema Brasileiro na ECA. Foi perseguido e exilado pela ditadura militar, que o retirou apenas das atividades acadêmicas, em 1968, já que o pesquisador achou outros meios para continuar ativo e só conseguiu voltar a USP em 1979.

Entre as suas obras estão os dois ensaios poéticos de média-metragem, dirigidos por ele, que falam de São Paulo, cidade em que mora, "Sinfonia e Cacofonia" (1994) e "Sobre Anos 60" (1999). E o livro que foi um marco, em termos de crítica cinematográfica no país, "Brasil em Tempos de Cinema" (1967).

A homenagem a Bernardet, que acredita no potencial do cinema brasileiro, acontece hoje às 18h, no Centro Histórico Santa Tereza.

Por que vir até Bagé, mesmo com todos os problemas que o senhor tem para se deslocar?

Bom, da minha parte, eu trabalhei desde os anos 60, eu sempre fiz palestras e viajei pelo nordeste. O meu trabalho vai no sentido de não fortalecer o regionalismo e não fortalecer a ideia de que Rio e São Paulo são nacionais e o resto é regional, essa é a minha linha de trabalho, sempre fora do eixo, além de não fechar as regiões sobre seus tradicionalismos. Não quer dizer que não possam fazer isso, mas isso não tem que ser um dever.

Eu estar aqui faz parte da minha linha de trabalho. E vou dizer mais uma coisa, eu estou ficando cego, essa é uma doença causada pelo envelhecimento. Estar aqui é uma possibilidade de estar com pessoas jovens, pessoas dinâmicas, que fazem as coisas, e pra mim tem um sentido de vitalidade.

Algumas pessoas acreditam que Bagé possa se tornar um pólo de produção em cinema. Na sua concepção essa possibilidade existe?

Que existe, existe com as mídias digitais. Depende do que as pessoas querem fazer. A questão que se coloca depois é como circulam as coisas.

Aqui no Brasil é tradicional que se pense a produção desvinculada da circulação. Então é importante saber o que você produz, pra quem você produz e como chega.

É sempre bom pensar eu produzo pra que, produzo em que. E não esquecer que os pequenos festivais, os grandes eu tenho as minhas duvidas, mas os pequenos festivais são muito importantes para a circulação dessas obras, porque eles são a janela para o cinema, que não seriam vistas, caso o contrário.

Em 1968, no Festival de Brasília, o senhor lutou para que O Bandido da Luz Vermelha ganhasse o prêmio. Passado mais de 40 anos, você e Helena Ignêz (musa do Cinema Marginal) são homenageados em Bagé, em sua opinião qual é a herança desse movimento?

Nessa situação que você coloca a minha maior curiosidade é ver o filme da Helena Ignês (Luz nas Trevas- película que dá sequência ao filme Bandido da Luz Vermelha).

Apesar de eu ter começado a minha carreira nos anos 50, eu não passo todo o dia remoendo isso, eu 'to mais ou menos preso ao passado, mais por uma condição de estar ficando cego e de não poder ter uma atividade muito grande na universidade. Mas eu não me prendo ao passado, mas uma coisa que é indiscutível, se algumas pessoas como Rogério Sganzerla e Glauber se tornaram ícones para a juventude, a importância que nós lhe damos pode ser muito especial para a juventude.

Certa vez estive num evento sobre o cinema dos anos 60 e de repente uma moça gritou: "Eu não aguento mais!". E ai, eu parei e pensei que ela não aguentava mais era essa referência aos anos 60. É Gláuber, é Cinema Novo, é Bressane, é Sganzerla. Então, não se trata de jogar fora o que eles fizeram, mas também não se amarrar apenas a isso, afinal a vida continua.

O Bandido da Luz Vermelha, de Rogério Sganzerla

Qual a sua opinião sobre o recente ciclo de filmes que falam da ditadura? Não se criou um "gênero" ou "filão" de filmes sobre o período como os filmes direcionados ao público espírita?

É difícil você pensar essa questão ditatorial só em termos cinematográficos, porque isso é um trabalho de sociedade e o cinema faz parte disso. Agora, uma das questões que parece nos estrangular no Brasil é o aparelho legal que foi montado no fim da ditadura que não possibilita julgar os militares e torturados, diferentemente do que está acontecendo em países como Argentina, Chile e, mais recentemente, no Uruguai. A produção dos filmes brasileiros sobre esse tema está dentro de um ambiente em que a abertura não funciona. Por isso, esses cineastas têm que serem vistos dentro dessa sociedade. Nós estamos um pouco numa situação de vivermos dizendo que a ditadura não foi tão violenta quanto na Argentina, mas há um problema de não termos um instrumento legal para julgar os crimes cometidos pelo regime.

Hoje (13/12) marca o 43º aniversário da promulgação do AI-5 (Ato Institucional Nº 5 colocado em vigor pelo presidente Costa e Silva em 13 de dezembro de 1968 que cerceava todas as liberdades políticas e civis e funcionava como um "golpe dentro do golpe"), o senhor vivenciou esse período, como era fazer críticas cinematográficas e dar aulas nesse ambiente?

Bem, eu caí com o AI-5. O AI-5 foi aplicado a USP no inicio de 1969 e eu voltei com a Lei da Anistia em 1979. Com o AI-5, eu tive uma vida paralela. Houve uma lista de 25 professores da USP, cujo AI-5 fez com que os professores não recebessem dinheiro público. O que evidentemente impedia qualquer trabalho em universidade que não fosse privada. E impedia também uma série de trabalhos com dinheiro público. Era uma maneira de nos impedir de sermos ativos. Mas alguns conseguiram e até mesmo se tornaram presidente da República como o FHC, e eu fiz alguns filmes, e muitos cursos de cunho de resistência, o que possibilitava que eu pudesse viajar muito ao Nordeste, junto a estudantes, além de propostas de formação de cine-clube. E também na época eu fui um crítico da oposição, escrevendo para o jornal Opinião, um jornal alternativo e que tinha artigos contra o regime do período. Se a ditadura impediu de eu dar aulas, eu pude ter uma participação ativa.

O senhor era interlocutor do Cinema Novo. Depois de uma publicação em 1967, Brasil em Tempo de Cinema em que o senhor fez uma crítica ao movimento e que não foi bem recebida pelo Glauber Rocha. O senhor ainda pensa que era um cinema feito pela "classe média"?

O Glauber também pensava isso. Eu e Glauber nunca brigamos, até 1980 mantivemos uma relação boa. Se você pegar o "Câncer" (obra dirigida por Glauber Rocha) filme que foi rodado em 1968, filmado depois do Brasil em tempo de cinema e pegar o filme montado um pouco depois, em 1972, verá que o cinema é um trabalho de uma classe média radicalizada. A interlocução não só continuou como foi profunda. A ideia de que eu me cortei das pessoas é falsa. Eu me cortei foi dos papos de bar, isso reconheço que sim. Agora que houve uma interlocução funda, houve sim, porque não é frequente um cineasta como Eduardo Coutinho, um dos maiores cineastas brasileiros vivos, e que fez um dos filmes principais como o "Cabra Marcado para Morrer" dizer que dentro da concepção do filme, ele trouxe aspectos que já tinham sido levantados como problemáticas em meu livro Brasil em tempo de cinema, com quase 15 anos de publicado.

Então, a interlocução é não entrar num debate dizendo "sim" a tudo.

Nesse período, meados dos anos 60, o conceito de "classe média" era um conceito muito tosco. Se eu tivesse feito esse livro, um pouco mais tarde eu certamente teria uma conceituação mais elaborada que eu não tinha na época. Mas era o que eu tinha ao meu alcance e teve uma repercussão. Hoje, eu escreveria diferente.

Glauber Rocha

Como o senhor avalia o cinema atual, por exemplo, as obras da "indústria Globo"? Por que alguns filmes também bons não entram nesse circuito?

As pessoas acham que os intelectuais não gostam da produção da Globo. Eu, como intelectual, sou favorável a uma produção industrial vinculada a grandes circuitos. Não sou contra a obras como "Se eu fosse você". Sou a favor de "Tropa de Elite" e não é verdade que sou contrário a esses filmes. O que acontece é que só alguns filmes conseguem ir para os circuitos, esses filmes em geral não vão se não tiverem algum vínculo com a Globo, como por exemplo "O Palhaço", que entrou em um grande número de salas, não é da Globo, mas tem uma distribuição vinculada e pensar que não tem sentido em dizer que o que importa é o Festival do Rio e o de Bagé não tem essa importância. É o contrário: essa complexidade que importa. Você pode ter a certeza que eu não meti o "pau" (sic.) nos filmes da Globo.

Ainda existe o preconceito de que muitas pessoas não assistem filmes brasileiros porque o cinema nacional é muito ruim?

Nos anos 50, 60, um dos objetivos do Paulo Emílio Sales Gomes era convencer a elite cultural, elite social da importância do cinema, só que a história tem vários ritmos, e a histórias das mentalidades é de ritmo mais lento, a mentalidade é o que mais demora a se transformar, de forma que assim modificações sensíveis em relação ao panorama que acontecia nos anos 60, daquele desprezo total de não considerar um cineasta, como o Glauber Rocha, isso não existe mais. O Coutinho, cineasta é convidado, foi pra Bélgica, mudou muita coisa, no entanto tem que reconhecer que nas camadas mais cultas essa resistência continua.

Livro que foi um marco na crítica cinematográfica brasileira

Cinema e política no Festival da Fronteira

2011-12-19T09:13:00.001-08:00

Exibição de longa durante o III Festival de Cinema da Fronteira aborda o cinema político como objeto de reflexão conscientização

Por Marcelo Pimenta e Silva

O cinema como instrumento de discussão e reflexão política possibilitou ontem, no Centro Histórico Santa Thereza (CHST) durante o III Festival de Cinema da Fronteira, a observação da realidade de um país distante, o Afeganistão. Todavia, suas problemáticas estão próximas de todos nós, orientais ou ocidentais desde a queda das Torres Gêmeas em setembro de 2011 e quando o regime fundamentalista do Talibã ganhou destaque nos noticiários do mundo.

Na ocasião, o filme e o debate Fronteiras Políticas tiveram como proposta a exibição do longa "A Caminho de Kandahar" de Mohsen Makhmalbaf, lançado no ano de 2001, além de uma discussão sobre a obra com o filósofo Luís Rubira. O filme apresenta o cotidiano de um país, que assim como outros, foi 'palco' da disputa política entre EUA e a antiga URSS durante a Guerra Fria. Após a queda do muro de Berlim (1989) e o fim do conflito bipolar, o Afeganistão, que em 1979 foi ocupado pela União Soviética, cai nas mãos de grupos radicais como o Talibã que através do fundamentalismo religioso toma o poder e promove ações de terror dentro do país quanto em outras regiões do planeta.

A apresentação do filme e o debate são baseados no trabalho de Ciclos de Cinema, o Cine Filo, do Departamento de Filosofia da Ufpel, que tem a coordenação do professor e filósofo Luís Rubira.

Com a primeira série de filmes exibidos em 2010, o Cine Filo teve, em seu primeiro ciclo, a discussão em torno dos grandes conflitos da humanidade representados em 28 obras cinematográficas. Dividido em três atos ou séries (O mundo durante a Guerra Fria 1945-1991; Da Revolução Francesa ao fim da década de 40 e Do fim da Guerra Fria aos nossos dias), um público formado por estudantes e comunidade em geral pôde assistir de filmes cults como "Os Possessos" (Andrzej Wadja, 1988) e "A Chinesa" (Jean-Luc Godard, 1967) a obras que retratam a ditadura militar no Conesul, como "Estado de Sítio" de Costa Gravas (1973), "Chove sobre Santiago" de Helvio Soto (1975) a "Batismo de Sangue", de Helvécio Ratton (2006), entre outros.

- O Cinema político é o cinema por excelência. Todo cinema é político, mas uma determinada filmografia produzida mo século XX coloca-nos diante dos grandes acontecimentos e das questões políticas da humanidade. Além disso, talvez nenhuma outra forma de arte seja tão apropriada para um contato inquietante com temas como ideologia, imperialismo, totalitarismo, fundamentalismo, intolerância. Ao abordar as guerras, as ditaduras, o terrorismo, as guerrilhas e o processo revolucionário, o cinema político nos faz pensar profundamente sobre os eventos que marcaram e marcam a história do homem, afirma em texto de apresentação do ciclo de filmes políticos.

O evento é prestigiado na cidade de Pelotas pela comunidade em geral, permitindo que um público de 16 a 84 anos e, das mais distintas classes sociais e formação intelectual, possa compreender e se emocionar com a magia do cinema e com os temas ali apresentados.

- O cinema é uma arma para pensar. As pessoas se reúnem por duas horas ao longo da projeção de um longa e, após, refletem e participam da discussão sobre o tema que assistiram, permitindo que diversos temas sejam discutidos e que se relacionem à proposta da obra, o que faz com que o cinema permita às pessoas entender questões específicas como a Guerra Fria, de maneira mais fácil e também proporcione um olhar sobre o mundo.

Já neste ano, a temática da série de filmes abordou as mais diversas manifestações religiosas. Com o título de "A Filosofia e o Cinema Religioso", o segundo ciclo de filmes abordou o conflito espiritual da humanidade em 40 obras cinematográficas. Rubira comenta que o ciclo permitiu que as pessoas tivessem contato com filmes que apresentassem temas como dogmas e fanatismos, sob o olhar da arte e também fossem vislumbradas as mais diversas representações que os diretores têm sobre um determinado assunto.

- Na mostra, apresentamos três filmes que abordam a personagem Joana d'Arc, desde o primeiro "O Martírio de Joana d'Arc" de 1928 até a recente produção de Luc Besson com Milla Jovovich, de 1999.

O ciclo, como o que tratou de política, divide-se em três eixos: "O Conflito Espiritual", "A Convicção Religiosa" e "O Percurso Interior". Nele, clássicos de Bergman, Kurosawa, Rossellini, Wenders, Buñuel, Rocha e Tarkovsky "dialogavam" com obras não tão conhecidas, mas tampouco menos importantes, de autores como Denys Arcand, Karin Albou, Ricardo Dias, Benjamim Christensen, entre tantos outros.

Para 2012, Rubira comenta que serão apresentados 30 filmes e que a temática do ciclo será a psicologia humana.

Mídia e violência: a popularização dos programas sensacionalistas

2011-12-11T15:28:00.000-08:00

Por Marcelo Pimenta e Silva

A veiculação de reportagens com a violência, é um dos assuntos principais de programas “populares” nas emissoras de televisão. Com a justificativa de que se trabalha apenas o discurso jornalístico, a violência pauta cada vez mais a mídia - o velho slogan de que o papel do meio de comunicação é informar a “vida como ela é”, torna-se pressuposto para produções em que os jornalistas tornam-se “agentes da lei”.

Recorte da realidade

Os programas sensacionalistas passaram a contar com uma profusão de espaços na mídia televisiva, a maioria tendo à frente jornalistas-apresentadores que encarnam o papel de juiz e líder autoritário perante a massa espectadora. Não raro, assistimos aos jornalistas adotarem um tom agressivo, com direito a palavras ofensivas para expressar sua opinião. Esse discurso destoa de um telejornalismo tradicional, onde o apresentador serve como “instrumento” para anunciar as reportagens, quase sempre sem expressar a opinião. Todavia, a partir de âncoras como o jornalista Boris Casoy, que ficou conhecido por emitir opiniões para a câmera, tendo como lema o bordão “Isso é uma vergonha!”, o papel do âncora, como um simples apresentador de notícias, acabou mudando.

Da Tena: jornalista vira juiz e vigia da sociedade

A dita imparcialidade do jornalismo não funciona, visto que é comprovado que a produção de notícias parte de ações subjetivas, desde captação de informações, edição e a própria apresentação. Ou seja, o jornalismo produz discursos constituídos de recortes da realidade que é apreendida segundo a subjetividade de cada ator social. Portanto, os velhos paradigmas que caracterizam o valor da notícia: atualidade; universalidade; proximidade e proeminência caem por terra no campo desses programas de “jornalismo denúncia”, praticados cada vez mais na televisão aberta.

A pauta diária desses programas é baseada na denúncia de uma sociedade alijada em seus valores e princípios, onde o caos toma conta de todos os espaços e há pouca presença efetiva do Estado para que seja concedida a proteção e a segurança do cidadão. Dessa forma, a mídia expõe a falência do Estado de forma crítica. Suas notícias apresentam apenas esse modelo da realidade, sem a possibilidade de uma construção de debate ou de novas perspectivas. Essa espécie de “jornalismo apocalíptico”, que seduz a massa com a insegurança, essa atuante num contexto histórico sem mais ideologias, passa a enaltecer apenas a mídia como instrumento socializador e regulador de certa “normalidade”.

A mídia como vigia da sociedade

Nos programas de “jornalismo policial”, o Estado só ganha destaque pelo aparelho de repressão da polícia, sempre enaltecido como “símbolo ordeiro”, mal visto pelas autoridades que não favorecem a classe de funcionários da segurança. Nesse intuito, uma sociedade desorganizada e insegura é aquela que não paga salários melhores para os policiais e nem aumenta o efetivo nas ruas. Com esse tipo de discurso, os programas jornalísticos beiram uma tônica voltada aos ideais totalitários de que a repressão é a melhor saída para qualquer tipo de sociedade. Em nenhum momento é discutido que os problemas de violência e criminalidade são de ordem social, tais como a histórica disparidade econômica entre as classes; a educação que recebe o descaso de governo a governo, bem como a política nacional direcionada a interesses partidários e de diversas instituições e empresas que formam uma concentração de renda fomentadora da exclusão social.

Programa legitima a visão do poder policial: Apenas uma versão dos lados nesse jornalismo

Nessa espécie de comunhão de forças que envolvem jornalistas e sistema de repressão, a figura da mídia - com a possibilidade de transmitir do alto de um helicóptero policial todas as ações por terra dos agentes de segurança - constrói a idéia da mídia como vigia social, protetora da sociedade.

Tropicalismo: quebra de paradigmas na cultura nacional

2011-12-11T15:15:00.000-08:00

Tropicalistas prontos para a revolução

Por Marcelo Pimenta e Silva

A importância do movimento tropicalista para a cultura brasileira ainda não foi de todo resgatada. Marco cultural e social de um período de contestações sociais, a Tropicália, como ficou conhecido o movimento, foi tão revolucionário quanto à bossa nova para a cultura brasileira em termos globais.

A gênese do tropicalismo ocorre quando os músicos Caetano Veloso e Gilberto Gil exploram canções com novas perspectivas de melodia e letra nos tradicionais festivais da canção, espetáculos transmitidos ao vivo pela televisão e com grande audiência no país. As primeiras canções tropicalistas “Alegria, Alegria” e “Domingo no Parque”, respectivamente, mostravam-se como uma ruptura com a música tida como nacionalista, como também com a dita “alienada” da jovem guarda, uma espécie de versão comercial e ingênua da “beatlemania”. Os músicos apresentavam um novo estilo musical numa espécie de “mosaico” contendo inúmeras manifestações artísticas do país que dialogavam entre si, tendo como proposta aliar o exotismo do folclore brasileiro com suas mais variadas manifestações, seja o carnaval, a música brega, a literatura de cordel, entre outros. Essa busca por incorporar no universo pop, as características locais é o sinal de que o tropicalismo estava em sintonia com o espírito dos anos 60 que é o de revolucionar os modos e costumes da sociedade daquele contexto.

Diálogo com outras expressões artísticas

O tropicalismo não foi apenas um movimento musical. Por nascer na efervescência da contracultura e utilizar as informações de uma sociedade que começava a se tornar uma “aldeia global”, o movimento se desenvolveu e teve vínculo com outras manifestações radicais em linguagem e estética como o cinema novo de Glauber Rocha; o teatro autoral e inovador de Zé Celso Martinez Corrêa; o cinema marginal; a imprensa alternativa com jornais como o Pasquim e também nas instalações artísticas de Hélio Oiticica, cuja instalação Tropicália, batizou o movimento. Esses são apenas alguns exemplos de “diálogo” tropicalista com outros formatos de arte e comunicação, diálogo que tinha como base a influência dos ideais modernistas de 1922. Para o tropicalismo, o essencial era estabelecer contato com a população brasileira, através dos meios de comunicação de massa que estavam se consolidando, produzindo arte sem rótulos ou limites, trazendo desde a poesia concreta dos irmãos Campos até a expressão estética popular e irreverente de Abelardo Barbosa, o Chacrinha, uma espécie de símbolo da proposta estética do tropicalismo.

Chacrinha: a anarquia e a estética do programa influenciaram o movimento

A experiência tropicalista (1967-1969) resultou na quebra de paradigmas da cultura brasileira daquele período.

Após a decretação do AI-5 (Ato Institucional N°5) em dezembro de 1968, e com o exílio dos dois principais protagonistas do movimento (Caetano Veloso e Gilberto Gil), praticamente a Tropicália acabou. Os remanescentes passaram a ser identificados como pós-tropicalistas e dentre eles, estava o poeta, jornalista e compositor Torquato Neto, mentor do movimento, que acabaria envolvido com diferentes áreas da produção cultural conhecida como marginal. Torquato ao criar uma espécie de ideologia tropicalista onde propunha uma estética fragmentária que culminaria em composições com citações e “imagens” típicas de um roteiro de cinema, revolucionou a forma de se fazer música no Brasil. O poeta, não apenas adicionava novos elementos às canções populares no país, como também abria espaço para que o espírito comunitário, tão em voga com o movimento hippie, fosse adotado por outras áreas, sejam elas as artes plásticas, o teatro, o cinema e a própria imprensa.

Torquato Neto: ideólogo do movimento virou poeta marginal após o exílio dos tropicalistas

Passados mais de quarenta anos do auge do movimento tropicalista suas propostas ainda são atuais. É necessário sempre resgatar sua história para que possamos entender não apenas a música e a cultura brasileira contemporânea, mas compreender que a arte pode trazer novas perspectivas para uma sociedade.

Prisão e samba

2011-07-15T08:05:00.000-07:00

Quando fui preso, alguém me esperou sorrindo e quis conversar uma conversa mole de conversão doada pelo senhor dos senhores que poderiam estar presos; mas livres pelo amor, pela bondade, pela artimanha de deixar os corpos presos, todavia com as almas tão livres que nenhum esquema de segurança poderia prender estes homens paradoxalmente livres em um presídio de segurança máxima.

Eu tinha apenas 22 anos. Ouvi, falei, dormi.

Agora, tempos e mais tempos depois, nenhuma cela ainda deixou meu coração livre. Meu coração se prende fácil. Chora, sangra, causa repulsa a si mesmo, por ser um coração fraco, tão bobo que se importa com as flores, com as amantes, com as dores que causei. Reticente, sempre bate descompassado. É um samba doído, não é feito para sambar sorrindo. Tem uma ginga que exige mais do gingado. Ou seja, é mais samba lamento. É um samba que vem e bate, bate e vem, lento e num disparate sem graça. É samba de coração mole, daqueles que espera o bater dos outros corações para, aí sim, tentar a harmonia.

Esse coração numa avenida seria sempre desclassificado. Nota mínima, mesmo tendo leveza, alguma graça graciosa, ele seria desclassificado por ser coração antiquado. Daqueles que vem com cartola, terno branco e uma rosa vívida na mão esquerda.

Por isso meu coração vive preso. Fica algemado numa cela apertada que fica na espera das esperas. Ele se agita todo em breves instantes. Sabe que na lida tem que se mostrar augusto e forte como se fosse de aço, ferro ou chumbo, mas é de carne embriagada em sangue. Meu coração não nasceu para a guerra! E se tenta vencer as provas diárias da vida, logo é expulso por essas fraquezas. Dispensado da ordem, do progresso, ele segue ultraje sem medo de ser errante, mas se asila cortês nos braços de morenas que saibam sambar.

Preso. A supressão do ir e vir. A redução dos instintos para os limites impostos pela ordem. Os limites estabelecendo o pensar. O pensamento ajoelhado em um canto escuro, com goteiras e ratos a identificar a situação incômoda de um dia ter pensado, de um dia ter incomodado. Por isso o homem se cala. Consente à voz, um silêncio mordaz. Desvia os olhos, cabisbaixos e, rente ao chão, não encara o inimigo. Aceita e sinaliza o acordo. Vive para sobreviver. Agradece aos homens, aos líderes, aos deuses de tantos nomes que apenas estáticos julgam os destinos das formigas.

O homem padece por ter nascido com a esperança da liberdade.

Marcelo Pimenta e Silva - 2009

continho...

2011-07-11T08:44:00.001-07:00

Numa grande redoma de vidro, expõem-se os animais selvagens. Não estão adestrados, diz o treinador. Todos eles ainda não se comportam como deveriam. Mas em pouco tempo estarão confortáveis com a situação e apenas viverão dessa forma. O velho comenta que as regras são bem claras: desfrute deste momento e não pense em mais nada.

Por um lado ele está certo: que animais desprezíveis esses que querem pensar. “Animais não podem pensar!” Ratifica o senhor de terno e gravata ao meu lado.

É melhor que fiquem nas jaulas, sejam domesticados e tornem-se meros ursos de pelúcia. Estáticos com um sorriso boçal e um perfume estranho de “novidade”. Escuto isso de uma senhora com um bonito casaco de pele. Sua pele parece de plástico. Estranho, mas tudo aqui é feito de plástico.

Caminho observando as espécies que ali estão. Há uma fauna interessante com exemplos da biodiversidade da nossa terra. Eu ia perguntar por que eles não estão se matando, seguindo os preceitos de Darwin, mas nessa hora ciência seria uma piada entre esses senhores e senhoras de bonito sobrenome.

São vários os animais na mesma jaula. O mestre diz que não é jaula, afinal não estão presos. “Você vê alguma algema?”. Digo que não.

Eles têm comida, pegam sol, brincam entre eles e sonham. Adormecem como bebês sem nenhum tipo de droga. “Até fazem alguma sacanagem...” comenta com um sorriso irônico o prestigiado político.

Noto que todos ficam mais calmos quando o outro adestrador entra nas jaulas e liga um aparelho moderno. Daquela caixa sai uma luz e depois uma seqüência de imagens e sons e como num passe de mágica todos os animais selvagens ali se reúnem e ficam ainda mais dóceis... quase que hipnotizados.

Pergunto para o adestrador mais velho que aparelho é aquele que fez com que todos os animais ficassem mais dóceis e passivos.

Ele sorri e diz com entusiasmo: “É uma tecnologia moderna que chegou agora do estrangeiro e se chama televisão!”.

40 anos de Laranja Mecânica: um clássico que não envelhece

2011-07-04T18:20:00.000-07:00

Stanley Kubrick filma Laranja Mecânica: 40 anos depois o filme segue atual

A derrocada da contracultura começara, por ironia, em pleno auge. Em 1969, o ideal hippie se desintegrava em cores saturadas quando as câmeras de uma equipe de filmagem captaram a morte de um rapaz negro, assassinado por Hells Angels, durante um concerto dos Rolling Stones. Os ideais comunitários dos hippies perderam-se em pesadelos em pouco tempo. De Woodstock ao festival de Altamount - o local da trágica apresentação dos Stones - aliado aos crimes da “família Manson”, chegando à repressão ditatorial em vários países, e, principalmente, com o avanço da Guerra do Vietnã comendo solta nas florestas asiáticas, o sonho de paz e amor perdia o sentido. Tão logo toda a magia psicodélica estava enterrada. Na verdade, nenhum ser humano consegue manter por muito tempo princípios de igualdade num mundo cada vez mais competitivo e estruturado em consumo.

Outro fator para apresentar essa mudança de projetos foi que em pouco tempo, os pacifistas já pegavam em armas para tentar mudar o mundo. Novamente, o sonho durou pouco e o que restou foram tragédias. Isso porque a violência que viria na década de 70 com radicalismos políticos e a morte dos ídolos do universo pop seriam símbolos expressivos de que o futuro do planeta não seria alterado pelo poder jovem.

O mundo não estava preparado para a utopia pacifista e isso ficou evidente quando Stanley Kubrick colocou a pá de cal na “inocência juvenil” da contracultura ao lançar em 1971 o filme Laranja Mecânica, baseado na obra homônima de Anthony Burgess.

Em pouco tempo, o filme tornou-se motivo de polêmica, causando celeuma em vários países. A principal polêmica ocorreu na Inglaterra por ter, supostamente, incitando jovens a cometerem os mesmos crimes do protagonista da obra. Além disso, naquela mesma época, o filme já se converteria num clássico por discutir a violência e a sociedade, captando com tamanha perspicácia a crescente onda de violência juvenil causada por atores sociais “inadequados” perante o sistema. Ao assistir Laranja Mecânica, hippies e caretas, jovens e adultos, todos sabiam que as cenas transgressoras do filme eram uma metáfora adequada para a realidade social que viria.

Mais que uma obra de ficção que aborda o cotidiano de violência de um jovem numa Inglaterra futurista, o filme discute o sistema e suas engrenagens repressoras. Resumindo: o protagonista apresentado como um “câncer” da sociedade passa por um tratamento para regenerá-lo e torná-lo “sociável”. O líder da gangue após ser preso passa por um tratamento experimental denominado “Tratamento Ludovico”. Assim, o objetivo é transformá-lo num cidadão “normal”. É o Estado aplicando técnicas políticas para ajustar a própria sociedade doente e em crise por outros problemas como a própria política.

Laranja Mecânica é uma obra rica em detalhes visuais e de linguagem. Em termos de linguagem, as gírias da gangue de Alex, baseadas num idioma denominado “Nadsat” – neologismos produzidos com a mistura de russo, inglês e cockney - causam certo estranhamento nos primeiros minutos do filme, mas logo compreendemos o contexto de ruptura com a sociedade. Alex usa todas as possibilidades que lhe cabem para subverter as normas sociais impostas a ele (e quem sabe a todos os jovens), seja a não responsabilidade com os estudos e carreira profissional; o questionamento à religião e aos poderes; o distanciamento da relação familiar; o desapego às relações sociais, entre outras características impressas ao personagem Alex.

Se a paz é ultrapassada com a violência, o amor é corrompido com a satisfação em causar a dor ao sexo oposto. Alex usa do sexo como forma de estabelecer uma relação de poder perante as mulheres. Não se permite ao amor, este um símbolo de fraqueza. Inclusive, o sexo sempre é apresentado de forma violenta ou mecânica. Numa das cenas mais polêmicas, o estupro de uma mulher é saudado como arma contra o que, na visão dele, era um relacionamento construído com bases burguesas: uma jovem e bela mulher casada com um escritor de sucesso, bem mais velho que ela. Relação de interesses de ambos, logo o amor determinado como objeto.

Nesta seqüência brilhante do ponto de vista técnico, Kubrick faz com que a cena não seja focada na mulher, mas no velho que é obrigado a ver a esposa sendo currada e agredida por jovens baderneiros. A desestruturação do sistema por parte dos jovens marginais está nessa cena: o estupro é uma metáfora para a revolta dos atores sociais que estão à margem e que não aceitam mais a condição de mero rebanho, seja controlado por pais, Igreja, escolas e Estado. A violência é uma forma de rebeldia, de chamar a atenção, de trazer o caos à normalidade determinada pelos poderosos.

Contudo, o filme se divide em duas partes. Em ambas a violência é o marco principal. Na primeira parte, Alex é o autor de todas as agressões e violências contra a sociedade. Na outra parte, a violência muda de lado e é a vez da Sociedade dar o troco, ou de explicitar que a raiz de toda a violência tem dono...

Com a prisão de Alex, o Estado vê uma grande oportunidade de usar da violência do protagonista como forma de garantir publicidade política.

Beethoven: reconfigurado na trilha experimental de Laranja Mecânica

Imagens e música delirante

A fotografia impecável é algo costumeiro nos filmes de Kubrick, um perfecionista em todos os detalhes. Os cenários psicodélicos com móveis no melhor estilo futurista da época dão um tom único ao espetáculo visual que é assistir Laranja Mecânica. Se não chega a ser um caleidoscópio de cores, como na parte final de 2001 – Uma Odisséia no Espaço (filme anterior de Kubrick de 1968), não deixa de ser psicodélico em vários segmentos, talvez para apresentar o mundo delirante erguido pelo protagonista.

Alexander O´Largo, é o personagem vivido com maestria pelo ator britânico Malcom McDowell. A personagem virou um símbolo da cultura pop, assim como o filme. A experiência sensorial se completa com a trilha sonora que mistura Beethoven com música de vanguarda feita por Walter Carlos (hoje Wendy Carlos). Chega a ser hipnótico o efeito visual das cenas de violência em câmera lenta acompanhadas com trechos de música clássica. As agressões na tela parecem coreografadas como um balé e, o que poderia soar como de mau gosto, esteticamente ganha outros contornos.

Alex (ou A-Lex - denominação de homem contrário à lei) é um personagem rico para ser analisado em tão pouco espaço. Diversas análises observam o personagem como um sádico impulsionado por um forte desejo sexual, algo que a psicanálise diria pela relação com as mulheres – sempre num tom de violência, como se todas as mulheres não passassem de um objeto para um prazer fugaz. A simbologia sexual no filme é diversa: inúmeros objetos fálicos presentes em seu cotidiano, das máscaras que usavam e também dos protetores de testículos, ao próprio cenário que lhe rodeia (a cobra em seu quarto, por exemplo).

O prazer de Alex está em submeter atos de violência ao seu redor, não como uma simples extensão de sua personalidade, mas também como reação ao conformismo da própria sociedade que o estimula à inércia e à desconstrução de sua identidade. Portanto, o comportamento agressivo de Alex é uma resposta à sociedade. Integrante de uma gangue ou tribo urbana, ele ganha status em seu universo onde os membros da gangue, os droogs formam com sua indumentária e dialeto próprio um grupo social à margem da suposta “normalidade” do corpo social. Dessa forma, com essa identidade coletiva que tem características próprias, o grupo se une em torno de um bem comum: o uso da violência para distingui-los em uma sociedade cada vez mais homogênea, fora isso há o vínculo dionisíaco da busca do prazer como forma de integração: enquanto alguns jovens se uniam para adorar astros do rock, na sociedade futurista de Kubrick, os jovens se unem em torno do prazer da violência.

Um símbolo pop

Laranja Mecânica pode ser interpretado de várias formas, seja com base na psicologia, no direito ou na sociologia. Tornou-se um clássico porque seu tema é atemporal e até hoje gera discussões em torno de seu conteúdo. Nesses 40 anos, o filme mais do que uma obra prima do cinema virou um marco da cultura pop e segue influenciando as cabeças dos cinéfilos que não se cansam de elegê-lo como um dos melhores filmes da história centenária do cinema, portanto: parabéns para esse clássico quarentão!

jornalismo: um longo caminho, uma longa história

2011-07-03T14:09:00.000-07:00

Em 1998 as coisas eram bem diferentes. Ainda estávamos presos no século 20 e a maioria dos utensílios e aparelhos de altíssima tecnologia não passavam de um delírio futurista.

Naqueles tempos, eu trabalhava como entregador de remédios para o pai de um amigo. Minha grana era torrada em livros, CD’s e bebidas. Não que isso tenha mudado tanto, mas naquela época minha existência estava atrelada apenas ao consumo de bens culturais e diversão. E mesmo que eu penasse para sair do Ensino Médio – o motivo não eram as notas, mas a alegria que as gurias do Ensino Médio me proporcionavam – eu já sabia a profissão que deveria seguir.

Quando eu era pequeno o meu sonho era ser historiador. Já na adolescência passei a gostar e estar envolvido com música, cinema, cultura em geral. Na falta de um curso de história na minha cidade, acabei desejando ser um jornalista. Mas o mais interessante é que foi em 1998 que fui chamado de “jornalista” pela primeira vez.

A partir de uma conversa com um professor e com o meu irmão, botei na cabeça que desejava ser mais um profissional da comunicação.

Lembro-me que foi através de uma redação que tal idéia passou a virar ideal. Aconteceu na aula do professor Alcir Brito, na época ensinando geografia no Carlos Cluwe. Ele me chamou de jornalista e comentou que eu deveria estudar para isso. Ao ler minha redação e aceitar meus argumentos sobre a questão política do país naquele momento (vésperas da reeleição de FHC), ele perguntou se eu já tinha pensado em atuar na área, isso porque eu apresentava algumas características para o ofício. Aquilo bateu como um soco, ou como dizem os mais místicos, naquele momento uma luz pairou sobre minha mísera existência e eu passei a desejar esse caminho.

Talvez, eu não apresente as características que são popularizadas como vitais para outras profissões. Não sou um bom vendedor, nem aprecio a matemática. Também não consigo mentir e nem tenho gosto por hospitais ou trabalhos que envolvam preceitos fascistas. A única coisa que me dá prazer em termos de trabalho é o que faço e isso porque eu sempre gostei de escrever, de ler, de tentar entender a dinâmica da sociedade.

Porém, eu nunca tinha pensado que poderia ter uma vida fora da história.

Ao voltar para a casa, pensei muito no assunto e comentei com meu irmão que ia tentar seguir o caminho do jornalismo. Lúcido como sempre, ele apoiou minha escolha e deu a grande dica: “Nunca desista disso e estude sempre!”.

Na verdade, uns quatro anos antes eu já tinha tido minha primeira experiência jornalística. Bem, para todo o amante de comunicação alternativa e independente, os fanzines são verdadeiros instrumentos de resistência e de comunicação, além de que na era pré-internet aqueles pequenos jornais xerocados eram um importantíssimo veículo para a informação underground. Lembro que recebia fanzines de música e cinema de várias partes do Brasil. Mantinha uma forte comunicação com pessoas de vários lugares através de cartas, então um dia pensei em fazer um fanzine.

Eu e o Charles, um grande amigo desde os tempos da oitava série (na época não tinha o nono ano e o ensino fundamental era chamado de ‘primeiro grau’), resolvemos fazer um fanzine de heavy metal. Acho que o nome era Dark Side, o mesmo nome da nossa banda que nunca saiu da garagem... Pois bem, fizemos duas edições e nunca conseguimos levar em frente. Algumas coisas não mudam e fazer um jornal alternativo ainda implica enormes dificuldades.

Depois, em 1997, tentei fazer outro fanzine, o Chaoszine. Esse tinha o intuito de ser um informativo de cultura em geral. Teve apenas uma única edição e as cópias xerocadas eu entregava de forma panfletária na frente do Estadual e do Auxiliadora.

Agora, um ano depois, em 1998, eu pensava pela primeira vez em atuar na área do jornalismo.

Não foi fácil e nem está sendo fácil o caminho. Mas o grande barato é a luta constante. E a diferença não está na grana ou no status que isso dá, porque sinceramente não é esse o caminho para quem escolhe em paralelo atuar na área de educação, mas uma coisa eu sei: a minha essência é essa e sou feliz com a honestidade da minha escolha. E o melhor dos planos é saber que estou semeando para uma grande colheita no futuro.

Na próxima terça, dia 5 de julho, eu passo por mais uma etapa fantástica. Serei avaliador em duas bancas de conclusão de curso de jornalismo. As amigas e irmãs de longa data, Ju Brum e Niela Bittencourt apresentarão suas monografias e me escolheram como testemunha desse grande momento de suas vidas.

Sinto-me lisonjeado pelo convite e noto que o conselho do meu irmão, dito numa noite fria de 1998, ainda persiste na minha história.

Livro apresenta a história do estilo mais pesado do rock

2011-06-10T09:13:00.000-07:00

Livro aborda toda a história do gênero mais pesado do rock

1 - O gênero heavy metal ainda é taxado por preconceitos e estereótipos típicos de quem têm pouco conhecimento sobre o estilo e a importância do mesmo para a “eterna” revitalização do rock como cultura jovem. Muito do que é dito de forma pejorativa acerca do gênero mais pesado do rock é feito com má-vontade, além de inúmeros clichês que acabam sempre caindo em reducionismos e sensacionalismo. Claro, que o heavy metal sempre usou da polêmica como um dos artifícios para a manutenção de sua imagem rebelde e contestadora, porém mostrou durante décadas, uma vitalidade e ambição, bem maior que o punk rock, um estilo musical que muitas vezes ficou em guetos underground pela sua parca força propulsora de novos subgêneros. Dessa forma, é evidente que o metal manteve-se vivo e atuante pela capacidade de se reinventar e criar ramificações que utilizam influências que vão do jazz até o hardcore, por exemplo.

Para ilustrar a importância do metal às gerações de roqueiros das últimas quatro décadas, foi publicado no Brasil o livro “Heavy Metal – A História Completa”, do jornalista especializado em música, Ian Christe. O livro é um lançamento da editora ARX e vem com um apanhado geral e completo dos 40 anos do estilo, desde que o Black Sabbath lançou seu primeiro elepê, até as bandas atuais. Além de muito bem escrito, com uma história que mescla as desventuras dos “metaleiros” (termo ridículo criado pela Rede Globo durante o primeiro Rock In Rio, em 1985) com o contexto histórico, político e social de cada década, “Heavy Metal...” pode ser chamado de a “Bíblia Negra” do metal. O livro não é apenas uma fonte interminável de consulta para os apreciadores do estilo, mas pode-se dizer que é uma verdadeira luz às trevas que sempre são colocadas por jornalistas mal informados - os típicos críticos preconceituosos de cadernos culturais de publicações comerciais; senhores de terno e gravata que acham que o som mais pesado feito no rock é o U2.

O livro também aborda, de forma bem completa, a ligação do estilo com a grande mídia. Se no começo houve uma profunda ligação com a imprensa alternativa, visto sua popularidade através de fanzines que estimulavam a troca de fitas, o metal passou nos anos 80 a gênero predileto da MTV. Depois da glória, o estilo caiu no ostracismo na visão da grande mídia, isso porque na década de 90, a mídia popularizou estilos como música eletrônica e o próprio grunge. Contudo, nos subterrâneos, as bandas de metal continuavam a vender milhares de discos e realizar turnês lotadas por todo o globo, isso demonstra (e fica muito bem claro no livro) que o metal nunca precisou do grande apoio da mídia para vender discos. O estilo sobrevive (e bem) pela devoção dos fãs, tornando-o mais que um movimento modista, mas um estilo de vida que transpassa gerações e tendências.

Ou seja, a obra em questão não é apenas para quem é fã de heavy metal, mas para todos aqueles que gostam de música e querem entender a história de um estilo que definiu modas, gírias e todo um universo cultural.

2 – Outro ponto positivo do livro é a riqueza de sua diagramação que conta com uma espécie de “árvore genealógica” do estilo, trazendo todos os fatos marcantes desses 40 anos de vida. Além disso, Christe aborda todos os subgêneros do metal, sempre apontando em listas, os melhores discos para cada determinado estilo, desde o heavy metal clássico, glam metal, thrash metal, doom metal, death metal, entre outras ramificações que compõem o mundo metálico.

3 – Como ninguém é de ferro, eu também fiquei inspirado pelo ótimo livro e criei minha lista com os melhores discos. Completamente pessoal foi a minha escolha e, como toda lista que se preze, ela é passível de equívocos, mas como o metal é feito de paixão, ninguém pode discutir o gosto alheio, então lá vão os melhores discos por cada ano dentro dessas 4 décadas de barulho, raiva e rebeldia.

Os melhores do Metal (1970-2000)

1970 – 1980 – HARD E METAL CLÁSSICO

Black Sabbath – Black Sabbath (1970)

Deep Purple – In Rock (1970)

Black Sabbath – Paranoid (1970)

Led Zeppelin – Led Zeppelin IV (1971)

Alice Cooper – Killer (1971)

Deep Purple – Machine Head (1972)

Alice Cooper – Schools Out (1972)

Trapeze – You Are the Music… (1972)

Uriah Heep – Demons and Wizards (1972)

West, Bruce and Lang – Why Dontcha (1972)

Black Sabbath – Vol. 4 (1972)

Deep Purple – Made in Japan (1972)

Led Zeppelin – Houses of the Holy (1973)

Black Sabbath – Sabbath Bloody Sabbath (1973)

Alice Cooper – Billion Dollar Babies (1973)

Grand Funk - We’re an American Band (1973)

Nazareth – Razamanaz (1973)

Deep Purple – Burn (1974)

Kiss – Kiss (1974)

Slade – In Flames (1974)

Bad Company – Bad Company (1974)

Sweet – Desolation Boulevard (1974)

Led Zeppelin - Physical Graffiti (1975)

Kiss – Alive! (1975)

Queen – A Night at the Opera (1975)

Black Sabbath – Sabotage (1975)

Nazareth – Hair of the dog (1975)

Aerosmith – Toys in the Attic (1975)

Deep Purple – Come Taste the Band (1975)

Scorpions – In Trance (1975)

Rainbow – Rising (1976)

Kiss – Destroyer (1976)

Thin Lizzy – Jailbreak (1976)

Judas Priest – Sad Wings of Destiny (1976)

AC/DC – Dirty Deeds Done Dirty Cheap (1976)

Scorpions – Taken by force (1977)

The Runaways – Queens of the Noise (1977)

AC/DC – Let There Be Rock (1977)

Kiss – Love Gun (1977)

Thin Lizzy – Bad Reputation (1977)

UFO – Light out (1977)

Thin Lizzy – Live and Dangerous (1978)

AC/DC – If You Want Blood… (1978)

Scorpions - Tokyo Tapes (1978)

Van Halen – Van Halen (1978)

Rainbow – Long Live Rock n Roll (1978)

Motorhead – Overkill (1979)

AC/DC – Highway to Hell (1979)

Judas Priest – Unleashed in the East (1979)

Van Halen – Van Halen II (1979)

Quiet Riot – Quiet Riot II (1979)

UFO – Strangers of the night (1979)

Cheap Trick – At Budokan (1979)

1980 – 1990 – O PESO E A FÚRIA DOS ANOS DOURADOS DO METAL

Iron Maiden – Iron Maiden (1980)

Motorhead – Ace of Spades (1980)

Saxon – Wheels of Steel (1980)

Demon – Night of Demon (1980)

Judas Priest – British Steel (1980)

AC/DC – Back in Black (1980)

Ozzy Osbourne – Blizzard of Ozz (1980)

Black Sabbath – Heaven and Hell (1980)

Def Leppard – On Through the night (1980)

Scorpions – Animal Magnetism (1980)

Diamond Head – Lightning to the nations (1980)

Whitesnake – Ready N Willing (1980)

Motorhead – No Sleep till Hammersmith – (1981)

Iron Maiden – Killers (1981)

Black Sabbath – Mob Rules (1981)

Motley Crue – Too Fast for Love (1981)

Riot – Fire down Under (1981)

Angel Witch – Angel Witch (1981)

Ozzy Osbourne – Diary of a Madman (1981)

Iron Maiden – The Number of the Beast (1982)

Venom – Black Metal (1982)

Judas Priest – Screaming for Vengeance (1982)

Twisted Sister – Under the Blade (1982)

Whitesnake – Saints and Sinners (1982)

Scorpions – Blackout (1982)

Kiss – Creatures of the night (1982)

Picture – Diamond Dreamer (1982)

Anvil – Metal on Metal (1982)

Demon – Unexpected the guest (1982)

Accept – Restless and Wild (1982)

Triumph – Never Surrender (1982)

Motorhead – Iron Fist (1982)

Metallica – Kill em All (1983)

Raven – All for One (1983)

Dio – Holy Diver (1983)

Accept – Balls To the Wall (1983)

The Rods – Wild Dogs (1983)

Saxon – The Eagle has landed (1983)

Black Sabbath – Born Again (1983)

Saxon – Power and the glory (1983)

Iron Maiden – Piece of mind (1983)

Mercyful Fate – Melissa (1983)

Ozzy Osbourne – Bark At moon (1983)

Exciter – Violence and Force (1983)

Metallica – Ride the lightning (1984)

Iron Maiden – Powerslave (1984)

Whitesnake – Slide it in (1984)

Metal Church – Metal Church (1984)

Dio – The Last in Line (1984)

Scorpions – Love At first sting (1984)

Judas Priest – Defenders of the faith (1984)

Dokken – Tooth and nail (1984)

Van Halen – 1984 – (1984)

WASP – WASP (1984)

Warlock – Burning the Witches (1984)

Mercyful Fate – Don’t break the oath (1984)

Exodus – Bonded by Blood (1985)

Slayer – Hell Awaits (1985)

Possessed – Seven Churches (1985)

Anthrax – Spreading Disease (1985)

Celtic Frost – To Mega Therion (1985)

Iron Maiden – Live After Death (1985)

Metallica – Master of Puppets (1986)

Slayer – Reign in Blood (1986)

Megadeth – Peace Sells… (1986)

Destruction – Eternal Devastation (1986)

Kreator – Pleasure to Kill (1986)

Nuclear Assault – Game Over (1986)

Ozzy Osbourne – The Ultimate Sin (1986)

Motley Crue – Theatre of Pain (1986)

Testament – The Legacy (1987)

Death – Scream Bloody Gore (1987)

Sepultura – Schizophrenia (1987)

Guns N Roses - Appetite for Destruction (1987)

Whitesnake – 1987 (1987)

Motley Crue – Girls, Girls, Girls (1987)

King Diamond – Abigail (1987)

Sodom – Persecution Mania (1987)

Death Angel – Ultraviolence (1987)

Voivod – Killing Technology (1988)

Testament - The New Order (1988)

Metallica – And Justice for All (1988)

Helloween – Keeper of The seven keys (1988)

Napalm Death – From Enslavement to Obliteration (1988)

Bathory – Blood, fire and ice (1988)

D.R.I – Four of a kind (1988)

Slayer – South of Heaven (1988)

Megadeth – So far, so good, so what (1988)

Nuclear Assault – Handle with Care (1989)

Savatage – Gutter Ballet (1989)

Kreator – Extreme Aggression (1989)

Sepultura – Beneath the Remains (1989)

Exodus – Pleasures of the Flesh (1989)

Morbid Angel – Altars of Madness (1989)

Carcass – Symphonies of Sickness (1989)

Sarcófago – Rotting (1989)

Suicidal Tendencies – Lights, Camera and Revolution (1989)

Motley Crue – Dr. Feelgood (1989)

R.D.P. - Brasil (1989)

The Cult – Sonic Temple (1989)

Faith no More – The Real Thing (1989)

1990 – 2000 – METAL E SUAS INÚMERAS RAMIFICAÇÕES

Megadeth – Rust in Peace (1990)

Slayer- Seasons in the Abyss (1990)

Anthrax – Persistence of Time (1990)

Kreator – Coma of Souls (1990)

Iron Maiden – No Prayer for the Dying (1990)

Judas Priest – Painkiller (1990)

Pantera – Cowboys from Hell (1990)

Metallica – Metallica (1991)

Sepultura – Arise (1991)

Morbid Angel – Blessed are the sick (1991)

Sarcófago – The Laws of Scourge (1991)

Death – Human (1991)

Ozzy Osbourne – No More Tears (1991)

Kiss – Revenge (1992)

Iron Maiden – Fear of the dark (1992)

Megadeth – Countdown to Extinction (1992)

Biohazard – Urban Discipline (1992)

Slayer – Decade of Aggression (1992)

Cannibal Corpse – Tomb of Mutilated (1992)

Deicide – Legion (1992)

Napalm Death - Utopia Banished (1992)

Pantera – Vulgar Display of Power (1992)

White Zombie – LA Sexorcisto, Devil music (1992)

Sepultura – Chaos A.D. (1993)

Kiss – Alive III (1993)

Alice Cooper – The Last temptation (1993)

Type O Negative – Bloody Kisses (1993)

Dismember - Indecent & obscene (1993)

Morbid Angel – Covenant (1993)

Pantera – Far Beyond Driven (1994)

P.U.S. – Sin is the only salvation (1994)

Dorsal Atlântica – Alea, jacta est (1994)

Carcass – Heartwork (1994)

Megadeth – Youthanasia (1994)

Nativity in Black (1994)

Testament – Low (1994)

Death – Symbolic (1995)

Deicide – Once upon the cross (1995)

Brujeria – Raza Odiada (1995)

Sepultura – Roots (1996)

Megadeth – Cryptic Writings (1997)

Exodus – Another Lesson in violence (1997)

Korzus – KZS (1997)

Pantera – Oficial Live (1997)

Bruce Dickinson - Chemicall Weding (1998)

Slayer – Diaboulous in Musica (1998)

Black Sabbath – Reunion (1998)

Kiss – Psycho Circus (1998)

Nightwish – Oceanborn (1999)

Testament – The Gathering (1999)

O Gonzo na Zero: jornalismo marginal na imprensa pop*

2011-06-06T08:18:00.000-07:00

* Versão da monografia "Revista Zero: Jornalismo Gonzo na Imprensa de Cultura Pop", de Marcelo Pimenta e Silva

O Brasil teve inúmeras experiências jornalísticas que remetem a conceitos inovadores. Reportagens com características do jornalismo literário foram publicadas em revistas como O Cruzeiro, Realidade e também no vespertino Jornal da Tarde. Todas essas publicações iam contra a padronização encontrada em revistas como a Veja, por exemplo.

Em termos específicos de jornalismo Gonzo o estilo é encontrado há quase duas décadas na revista Trip, em especial nas reportagens de Arthur Veríssimo (Krette Júnior, 2006). Já a revista Zero, objeto de análise deste artigo, teve uma vida curta na história editorial das revistas de cultura jovem do Brasil, porém marcou época e determinou novos conceitos para a imprensa voltada à cena pop. Entre 2002 e 2004, a revista Zero contou com 14 edições e ficou conhecida como uma publicação que atendia aos gostos e interesses dos leitores da extinta revista Bizz. Justamente por ter sido lançada em um período de ausência da Bizz, a Zero ficou conhecida por atender uma demanda editorial para um público que consumia revistas de música pop. Por isso, neste período, a Zero foi uma alternativa ao mercado do jornalismo musical.

Contando com Marcelo Costa e Alexandre Petillo e, principalmente, os jornalistas Luiz César Pimentel, Marcos Bezzi e Daniel Motta, a revista Zero tinha como suas maiores intenções, a produção de uma revista informativa que não seria “óbvia”, tendo como foco principal, textos feitos com a passionalidade e a vontade de não ter limites editoriais, não sendo restrita ao mundo da música pop e rock, podendo, dessa forma, realizar desde entrevistas com o ex-jogador de futebol Serginho Chulapa; falar de cinema e sexo, como também abordar em suas páginas assuntos como literatura, política, entre diversos outros temas.

Patota da Zero. Da esquerda para a direita: Daniel Motta, Marcelo Silva Costa, Luiz César Pimentel e Alexandre Petillo

Uma das principais características da revista Zero foi a de buscar uma experimentação gráfica ou textual em quase todos os números. A inovação em termos editoriais que Pimentel declarava ser a marca da Zero tinha uma proximidade estética com a dos fanzines (pequenas publicações desenvolvidas por fãs de um determinado assunto).

[...] Eu sei fazer um texto-padrão, que é feito na grande maioria dos veículos, mas nós queremos subverter um pouco essa ordem das coisas, e o texto da Zero vai ser tão informativo quanto se ele tivesse saído em outro veículo que tenha um texto-padrão, mas a gente apresenta o texto de outra forma. Não só o texto, mas a embalagem do texto (Brocanelli, 2003).

Na edição de número seis, a capa da Zero vinha com um sósia de Elvis Presley fazendo a típica saudação do gênero de rock pesado heavy metal: dedos em formato de chifre, e a palavra “Drogas”, com a chamada “Nosso repórter toma um ácido em Graceland e desperta a ira de Elvis”, elementos que indicavam que a edição teria como tema comportamental o uso de drogas. De fato, sob o título “Dossiê drogas e rock n’ roll” a revista publicou um material composto por 22 páginas sobre o assunto.

Imersão no submundo de São Paulo

Edição polêmica: jornalista usa drogas e relata experiência gonzo

A reportagem selecionada para análise neste artigo apresentava as aventuras de um repórter da revista que havia tomado quatro ácidos, passando mais de 24 horas andando pelo centro de São Paulo em busca do que seria “um retrato de histórias reais de brasileiros de verdade”. Construída sob a forma de relatos, a reportagem “Viagem ao fundo do Brasil dos perdedores” de Bruno Torturra Nogueira (2003) apresenta um texto em primeira pessoa onde além de abordar a questão drogas e, os diversos anônimos marginalizados da megalópole, o repórter será o foco principal da matéria ao descrever as impressões de estar “chapado” pelas ruas da cidade.

Como ao escrever num diário, Nogueira anuncia a missão que precisa realizar: “A idéia era clara – registrar e relatar uma bad-trip de ácido em São Paulo”. Para isso Torturra tinha dois companheiros de viagem: Gregório Sambuca, um músico de 22 anos e usuário de drogas sintéticas e Leon, da mesma idade, que preferiu não ter o sobrenome divulgado na matéria e é arquiteto de origem libanesa, além de sentir “pulsão genética de ódio pela América”. O material para a produção da matéria era precisamente descrito:

Em cima da cama, os preparativos: agenda, bloco de notas, duas canetas, gravador de MD, microfone de lapela, uma câmera velha, três lentes, um rolo de filme, uma camiseta limpa, óculos escuros, uma sacola com bananas e o fundamental: quatro ácidos de boa procedência (o famoso bicicleta), uma bola de haxixe e cinco gramas de maconha (Nogueira, 2003 p. 16).

No trecho destacado podemos encontrar similaridades com a estética do Jornalismo Gonzo, em especial com o clássico de Hunter S. Thompson no livro “Medo e Delírio em Las Vegas” (Fear and Loathing in Las Vegas). Mais além: podemos ver que a busca pela análise de “encontrar os verdadeiros brasileiros anônimos”, como também a de estar completamente entorpecido para tal ação jornalística, junto a outros dois amigos, remete basicamente ao texto de 1971 em que Thompson, com o pseudônimo de Raoul Duke, parte para o deserto de Nevada com seu amigo advogado samoano para descrever o “verdadeiro sonho americano”. No livro de Thompson há uma passagem em que ele anuncia os materiais que levava para fazer a reportagem:

Nós tínhamos duas bolsas de fumo, setenta e cinco botões de mescalina, cinco cartelas de ácido extremamente potente, um saleiro cheio até a metade de cocaína e toda uma galáxia de multicoloridos estimulantes, tranqüilizantes, gritantes, hilariantes... E também um quarto de tequila, um quarto de rum, uma caixa de Budweiser, cerca de um litro de éter e duas dúzias de nitrito de amila (Thompson, p 10, 2005).

Hunter S. Thompson: jornalista bandido, ícone do gonzo

Nogueira e os dois amigos tomaram o ácido em um apartamento no bairro de classe alta de Higienópolis. Depois, rumaram para a famigerada “Boca do Lixo” paulistana. Ali presenciaram a realidade de uma grande cidade: “Famílias dormindo em papelões, travestis na porta de hotéis (daqueles que o H se confunde com M), bêbados de todas as índoles e néons falhando”. Com medo de que após duas horas de ácido e de caminhadas não justificassem a pauta, Nogueira encontrava na Avenida São João, um velho baixinho com a camiseta do Flamengo. O personagem encontrado era um índio brasileiro de 81 anos, cuja mãe “foi caçada a laço no século 19” e que tinha o nome de “Caraca”, segundo o indígena a tradução queria dizer “Brasileiro”. Todo o texto de Nogueira pode ser analisado como uma profunda crítica social. Crítica aos malefícios das drogas que levam milhares à miséria e a uma vida à margem da sociedade. Em nenhum momento há um discurso de apologia ao consumo. A utilização de drogas para compor a matéria é mais como uma referência ao estilo desenvolvido por Thompson e que muitas vezes é entendido de forma errônea por quem se aventura a praticar jornalismo Gonzo.

Como destaca Czarnobai (2003), Thompson ficou célebre ao criar reportagens feitas sob o efeito de drogas, mas isso não quer dizer que todo jornalista gonzo deva utilizá-las ou pautar sua matéria com base nesse assunto. A prática de consumir drogas por Thompson é mais uma de suas características para causar o choque, assim como os textos com elementos sarcásticos, agressivos e irônicos. Ao realizar artigos usando esses elementos, além de conferir uma aura de “insano e fanfarrão” para si, Thompson tornava-se um ícone pop da contracultura que escrevia na maior revista de música dos Estados Unidos, a Rolling Stone.

Outro ponto destacado em relação ao uso das drogas na matéria de Nogueira é que para estar “imerso” no mesmo universo decadente dos viciados de drogas das ruas de São Paulo, o jornalista utiliza uma atitude antropológica: a de ficar entorpecido como os personagens que irá descrever na matéria. Desta forma, ele deixa o status de observador distante e isento e se aproxima ainda mais do material humano que irá pautar sua reportagem. Anda com os anônimos urbanos; conversa com diversos personagens desconhecidos do Brasil e escuta muitas histórias de “descida ao inferno” pela droga; sente a revolta dos excluídos que perderam tudo e vivem pelos instantes de fuga da realidade proporcionada com os entorpecentes.

Crítica social que emula a mesma contundência de “Fear and Loathing...”, cujo texto de 1971, trazia como alvo a geração hippie. Os órfãos dos ideais da contracultura recorriam ao vício das drogas para suprir o vazio existencial que aplacava àqueles que achavam que poderiam mudar o mundo através do pacifismo e da vida alternativa. Se nos anos 70, pouco se relatava sobre os excessos que acometiam uma geração inteira com a dependência das drogas, talvez pela hipocrisia americana, que Thompson tanto criticava em seus artigos, no Brasil, no período histórico da reportagem da revista Zero sobre drogas, ou seja, mais de 30 anos depois da publicação do livro de “Fear and Loathing...”, o assunto ainda é pouco discutido pela imprensa tradicional e quando discutido, ainda recebe julgamentos preconceituosos e moralistas.

A reportagem da Zero encerra com o jornalista cansado e satisfeito com as experiências, que viveu e relatou: “Estava exausto e feliz. Feliz que deu tudo errado na bad-trip. O dia drogado foi fabuloso e o papel seria pouco para explicar o feliz Brasil dos perdedores”. Podemos verificar que a reportagem é gonzo e se assume como tal. Tem as características estilísticas que mostram uma influência de um jornalismo contracultural que ousa questionar, indagar e provocar alguma reação nos leitores. Além disso, em nenhum momento, ela se fecha como experiência jornalística. Vai mais além: cumpre os predicados de uma experiência antropológica, onde o jornalista/cientista sabe os elementos que irá utilizar para que a fórmula funcione, tais como descrição irônica e sarcástica de lugares e pessoas; a subjetividade; e acima de tudo: a captação participativa, que faz com que o repórter realize a reportagem tendo o foco narrativo voltado para si mesmo e nas experiências que vivenciou, empregando, assim, mais veracidade ao relato e indo além de “meros juízos e opiniões” sem base ou profundidade para tal.

Luiz Cesar Pimentel: a Zero era uma revista feita com a típica paixão dos fanzines

Considerações finais

É evidente que a revista Zero trabalhou em suas edições com reportagens e artigos com características Gonzo porque ocorre, dessa forma, o que entendemos como o conceito de interpretação e re-interpretação de John B. Thompson, em sua hermenêutica da profundidade (1995) do meio para com o contexto, que envolve elementos tanto da realidade do autor quanto do receptor. Resumindo: quando da construção das reportagens, no caso a que serviu de análise para esse artigo, o jornalista Nogueira já havia pré-interpretado as formas simbólicas que definem um texto Gonzo: seja com as técnicas de imersão, o uso de sarcasmo, a possibilidade da captação participativa, entre outros aspectos. Ao ter conhecimento destes elementos, ele pode utilizar na reportagem uma narrativa que se assemelha aos escritos de Hunter S. Thompson, o que por sua vez, também faz com que o leitor de uma revista de cultura e música pop encontre formas simbólicas e discursivas distintas de outras publicações, associadas ao estilo, que tem toda uma ligação sócio-histórica com o público jovem de revistas de musica e cultura desde o final dos anos 60.

Portanto, o jornalismo Gonzo é alternativo ao jornalismo tradicional obtendo mais espaço em revistas, livros e internet pela sua liberdade textual e influência literária. A principal tradução desse estilo jornalístico está vinculada ao relato das obsessões humanas, sempre de forma irreverente e irônica, o que atrai a atenção, principalmente, de leitores jovens que consomem as publicações voltadas ao universo pop.

Revista Zero: uma revolução na imprensa brazuca

Bibliografia

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Antonioni: o cinema e a incomunicabilidade

2011-05-26T07:54:00.000-07:00

Antonioni filmando Zabriskie Point (1970)

O italiano Michelangelo Antonioni (1912-2007), vindo da escola Neo Realista de autores como Vittório de Sica, Federico Fellini, e Luchino Visconti, vai adentrar a década trazendo à tona o tema da incomunicabilidade, na trilogia do silêncio: A Aventura (1960), A Noite (1961) e O Eclipse (1962). Nessas obras é que Antonioni apresenta seu formalismo único: planos longos e poucos diálogos apresentam o conceito do esvaziamento moral e a “desumanização” das relações humanas a partir do pós-guerra na Europa. Essa característica, da nova sociedade, principalmente a burguesa, entediada com seu papel social, é estabelecida com o silêncio entre os personagens. A incomunicabilidade discutida pelo diretor é atual em nosso tempo pós-moderno, onde as relações sociais se dão através de signos digitais em um espaço de tempo virtual – o ciberespaço – a Internet produz a globalização de culturas, costumes e gírias, mas exclui, de certa forma, o contato social. As comunidades virtuais têm esse caráter paradoxal: ao mesmo tempo em que reúnem pessoas com os mesmo gostos culturais, formando assim “tribos virtuais” - que mantém diálogo e relacionamento acerca daquilo que as combina, elas mesmas são excludentes ao segmentar em células distintas, as pessoas que contenham o mesmo “perfil”; a mesma identidade cultural, que por sua vez é transitória e de conteúdo frágil e maleável.

Antonioni realizou em vida um cinema silencioso, mas isso não o fez menos sensível ao que ocorria no mundo, principalmente às revoluções jovens estabelecidas nos anos 60. Dois de seus filmes conseguem documentar com fidelidade o que ocorria na época, além de retratarem a movimentação cultural feita pelos jovens, eles conseguem se manter atual e influenciar até hoje produtos mais ousados e independentes de cineastas, que buscam, através de tramas com contestação, seguir os passos daquele cinema de autor preconizado nos anos 60. Blow Up (Depois daquele beijo, 1966) e Zabriskie Point (Idem, 1970) são as duas obras do diretor italiano que merecem destaque nesse artigo.

Blow Up: Clássico de 1966

Blow-Up é o primeiro trabalho de Antonioni em língua inglesa. Filmado em Londres em 1966, o filme capta a efevervescência da capital britânica em plena “Swinging London”. Esse termo definia Londres como a capital cultural do ocidente na metade da década de 60. Lá estavam os Beatles e os Rolling Stones abusando do seu rock cada vez mais inventivo, além de institucionalizarem ao ritmo, o estilo mod que espalharia inúmeros de imitadores, tanto na ilha quanto em países como o Brasil.

O termo Mod, na época, consistia na moda de se vestir com ternos justos, gravatas finas, apreciar soul music, dançar e passear em suas lambretas. Os mods eram o oposto dos rockers, estes, jovens que se vestiam como nos anos 50 e que ouviam mais rock n roll. Os Beatles e os Stones uniram as duas vertentes e se tornaram tão populares que logo a Inglaterra teria bandas como The Who, The Kinks, The Yardbirds, The Animals, entre outros, exportando o som inglês para os EUA e, em seguida aos quatro cantos do mundo.

Em 1966, Londres já tinha todas essas referências de comportamento jovem, mas também havia a mini-saia de Mary Quant; a moda com a primeira super modelo Twiggy; o cinema underground; os hippies psicodélicos de Picaddily Circus e o amor livre praticado com maior efusão. Todo esse cenário era ideal para que Antonioni registrasse em película uma revolução de costumes que estava ocorrendo na sociedade. Assim, Blow-Up se insere como um filme de contracultura que obteve êxito (foi Palma de Ouro em Cannes no mesmo ano), mas que mantém os elementos da obra do diretor, bem como homenageia os filmes de suspense.

A magia da fotografia está presente em Blow Up

A trama consiste no dia-a-dia de um fotógrafo de moda entediado com sua vida (inspirado no profissional das lentes David Bailey autor das capas dos Stones).Quando ele menos espera, sua vida é alterada quando ele fotograva um casal num parque. Através da revelação de negativos de fotos tiradas, o fotógrafo fica intrigado com a possibilidade de ter presenciado um assassinato, essa é a base de uma trama que vai além dos clichês de suspense.

Antonioni brinca com a noção dos conceitos do que é verdade e de como a fotografia pode comunicar, mas também iludir.

O que de fato é real? apenas um dos questionamentos de Blow Up

Talvez a incomunicabilidade de Thomas (o protagonista do filme vivido por David Hemmings) seja o símbolo da geração que não conseguia se “comunicar” com o mundo que a cercava: família, escola, e governo. A explosão pop de referências no filme não é à toa. Antonioni cobriu de elementos psicodélicos a história e fez uma obra acima.

Como obra, que retrata um momento da sociedade ocidental, tem-se a presença de gírias da juventude da época, cenas de consumo de drogas, sexo livre, além da já clássica cena dos Yardbirds tocando em um pub com o guitarrista Jeff Beck quebrando a guitarra e a atirando para uma platéia em catarse, tudo está lá: a Inglaterra dos “sixties” e seus símbolos de cultura pop presentes em cada minuto de Blow-Up, sendo assim o êxito da produção em atestar de que era impossível produzir qualquer manifestação artística, ou até mesmo, produção midiática sem levar em conta os experimentalismos que se pretendia com a cultura psicodélica em voga entre os jovens.

A juventude americana apresentada em Zabriskie Point

Quatro anos depois seria a vez da juventude americana aparecer de forma nítida e estonteante no filme Zabriskie Point. Com a atuação de dois jovens sem experiência alguma no cinema, Zabriskie explora os conflitos sociais provocados contra a política conservadora de Richard Nixon. O cenário é diferente de quatro anos atrás: não há mais o papo de curtir a vida apenas com “paz e amor”, os jovens, principalmente os universitários norte-americanos almejavam tomar o poder subvertendo o sistema.

No filme, o psicodelismo, o uso de drogas, as mensagens de subversão e contestação do flower power estão mais agressivas do que em Blow-Up, talvez porque a contracultura americana tenha sido mais contundente em movimentos e combates do que a inglesa. O certo é que o filme discute o embate ao consumismo capitalista americano e a fuga dos personagens para um exílio em uma paisagem desértica e onírica: o Vale da Morte, na Califórnia.

Antonioni dirige casal de protagonistas

Criticado e sem o sucesso da obra anterior, Zabriskie tem muito da violência social dos movimentos criados pós-68. Ou seja, a trama ainda carrega no ideal psicodélico da contracultura, o enfrentamento através da revolução de costumes frente ao poderio e a dominação capitalista, usando artifícios como o uso de drogas para expansão mental, bem como a busca pela prática sexual sem tabus ou limites. Porém, é explícito o tom de melancolia da produção, que contrasta com a “alienação colorida, mas contagiante” de Blow-Up.

Os protagonistas de Zabriskie Point não eram atores profissionais

Aqui os jovens estão conscientes da guerra contra o sistema e também sabem que não têm muita escapatória: ou se aliam ao sistema, ou “desaparecem” entrando assim na alienação e escape para comunidades alternativas, que viviam além da busca pelo naturalismo e o rompimento com a dependência aos bens de consumo capitalistas. Assim, muitos seguiram o lema do papa do ácido, o doutor em psicologia clínica Timothy Leary que pregava: “Turn on, Turn in, Drop out” (Ligue-se, sintonize-se, caia fora), nada mais que uma das máximas da filosofia hippie.

O filme pode não ter a eloqüência cerebral dos simbolismos de Blow-Up, perdendo-se em discussões políticas com “viagens alucinantes” em cada filigrana. Mas é inegável a ousadia do diretor em mostrar a América repressora do período Nixon e sua política ostensiva aos movimentos da contracultura. O ataque de Antonioni ao mainstream que utiliza as próprias ferramentas de arte como o cinema para controle social, se completa com a bela cena em que ao som de “Carefull With the Axe Eugene”, do grupo Pink Floyd, vários bens de consumo explodem frente à câmera.

bens de consumo e a própria consciência explodem em Zabriskie Point

No Brasil, o filme só foi lançado nos cinemas 10 anos depois. Culpa da censura exercida pelo governo militar que proibiu durante vários anos os filmes, livros e demais produtos culturais que representassem “perigo subversivo” ao país.

Nos anos 80, Zabriskie, bem como a contracultura do flower power, seriam vistos como manifestações datadas de um tempo utópico. Só nos dias atuais é que a obra parece ganhar um “respeito maior”, visto o número de comunidades no Orkut e sites dedicados a cinema e cultura pop. Tudo porque o ideal representado na obra, ganha nos tempos pós-modernos, uma aura pop para os jovens da era digital. Talvez pela própria indústria cultural ter se adaptado aos valores pregados pela contracultura, ou porque a própria produção contracultural tem grandes ligações com o que hoje conhecemos como cultura pop.

Antonioni: o mestre da incomunicabilidade

Ensinamentos da vida (e também do futebol)

2011-05-16T10:41:00.000-07:00

A vida ensina várias coisas :

Nunca faça promessas em rede de televisão, tais como a de que o guri está de volta pra casa... ele pode não voltar e isso virar piada.

Nunca instale caixas de som para uma festa, sem saber se a festa acontecerá. Você pode ter que carregá-las sob um sol forte de janeiro, o que não combina nem um pouco com "festa”.

Leia bem os contratos... Isso é importante porque talvez você perca dinheiro, craques e terá muita dor de cabeça.

Não festeje pelas conquistas dos "hermanos"... Menos de duas horas depois os hermanos poderão rir de você saboreando um bom vinho chileno.

Não seja tão arrogante ou sarcástico imprimindo faixas de campeão antes da taça ir para o armário. Já está provado que o campeonato só acaba no último apito do juiz.

Não imite danças africanas para irritar o adversário. O adversário poderá fazer a mesma dança e o pior: na sua casa.

Seja mais humilde. Não importa, você pode aprender. Escute seu pai, ele sempre tem razão.

A grande lição (e por mais clichê que isso soe) é de que não se comemora nada antes da hora. Sabe-se que não se pode contrariar as leis universais. Neste mundo nada é imortal e, no final, os melhores sempre vencem.

Literatura pop: relatos de perdedores e malditos

2011-05-11T08:26:00.000-07:00

Trainspotting: literatura pop + cinema pop = radiografia dos anos 90

Um tipo de texto está popularizado na internet, em especial em blogs e que retrata com fidelidade o cotidiano da juventude atual. Esse novo formato de texto é conhecido como literatura pop. Um tipo de texto, onde ficam evidentes algumas características marcantes, tais como o pouco uso de técnicas de narrativa - como as necessárias nos romances mais densos - a presença constante de referências da cultura pop (daí a ligação com o termo) e o uso de prolixidade para as tramas que quase sempre estão centradas na figura do narrador.

Essa nova literatura é muitas vezes acusada por críticos de ser tudo, menos literatura. Os detratores acusam o gênero, rotulando-o como uma literatura pobre e que se aplica com mais eficiência aos diários virtuais da internet.

Em contrapartida, os defensores reforçam a importância desse tipo de texto como a tradução da sociedade atual que está conectada e que vive sob intenso volume de informações. Por isso, vários autores buscam referências no passado para criar uma literatura que seja, no mínimo, a representação ideal do cotidiano desses tempos de pós-modernidade.

Uma influência reiterada por alguns desses novos escritores é a busca pela estética da literatura beat de autores como Charles Bukowski, Jonh Fante, William Burroughs e Jack Kerouac, entre outros. Os autores brasileiros dos anos 70, escritores conhecidos como “marginais da literatura”, gente como Paulo Leminski, Torquato Neto, Wally Salomão, Ana Cristina César, Cacaso, também são nomes recorrentes na produção literária atual, principalmente em poesia. Outro "papa" da produção literária com forte influências de cultura pop é o gaúcho Caio Fernando Abreu, hoje, um dos grandes nomes em termos de "epigrafes" em blogs e redes sociais, bem como um dos autores mais lidos pelas gerações atuais.

Caio Fernando Abreu: cada vez mais atual

Relatos à margem do convencional

Os críticos retrucam ao estilo “marginal” dos textos dizendo que a literatura beat parecia ser feita com desleixo, mas na verdade havia um profundo conhecimento de técnicas literárias. Outro fator “condenável” para a produção feita pela nova geração seria o abuso de temas relacionados à música, sexo e drogas. Tudo isso aliado a sempre presença de um relato na primeira pessoa, explorando digressões que beiram o uso confessional e nada mais, seria a justificativa para que se resumisse a produção em mero relato do cotidiano desses autores. Contudo, a própria beat generation tinha em sua produção tais características, que na época podem ser destacadas como uma forma de provocar no leitor a reflexão às turbulências sociais vividas em meio a um tempo de contestação. Influência ou não, os autores beat sabiam muito bem direcionar a sua proposta de vanguarda. Tinham bagagem literária e conhecimentos acerca de filosofias budistas, por exemplo. Era objetivo da literatura beat irromper com um novo estilo de escrita que refletisse os temores existenciais de quem fosse jovem nos anos 40 e 50 sob o clima de Guerra Fria, além de provocar a reflexão acerca de uma sociedade marcada pelos da Segunda Guerra Mundial.

Polêmicas à parte, são inegáveis os “marcos” que a literatura pop já rendeu às gerações da chamada pós-modernidade. Nos anos 90, o estilo popularizou-se na Inglaterra, assim como o Brit Pop de bandas como Oasis, Blur e Supergrass. Os livros Trainspotting, de Irvine Welsh e Alta Fidelidade, de Nick Hornby tornaram-se best-sellers da chamada Geração X. As obras fizeram tanto sucesso que ganharam versões para o cinema e obtiveram a mesma resposta de público, influenciando o trabalho de novos escritores.

No Brasil, a literatura de conteúdo pop já saiu da rede mundial e ganhou páginas e mais páginas. Daniel Pellizzari (Dedo negro com unha), Daniel Galera (Até o dia em que o cão morreu) e Clarah Averbuck (Máquina de Pinball e Vida de Gato) são alguns dos nomes do extinto e-zine Cardosonline que ficaram conhecidos nacionalmente pelos escritos pontuados de confissões apresentadas, muitas vezes com um humor ácido em ironia, como num diário escrachado acerca da realidade.

Clarah Averbuck: confissões de uma mente alterada pela cultura pop

A discussão é válida porque traz novas perspectivas para se entender a nova literatura do Brasil. O fato é que esses autores conseguem uma ampla resposta ao “dialogar” com as pessoas da mesma geração. Outro ponto positivo é que a ruptura e o choque sempre provocam novas reflexões para a arte. Se novas propostas ainda encontram resistência por parte da crítica ou da academia, por exemplo, é inegável que a posteridade trará ou não o verdadeiro julgamento a essas obras. No passado, a poesia concreta, a pop art de Warhol e até mesmo o punk rock foram depreciados recebendo a alcunha de “lixo” ou de arte menor. Atualmente, têm-se reconhecida a importância dessas manifestações para a cultura em geral.

Pop ou não, com influências da cultura marginal e da literatura beat, a busca por uma nova literatura é vital para manter a chama acessa de retratar o contexto em que vivemos. Se hoje caí por terra os relatos ideológicos do passado, é porque os tempos atuais são mais dionisíacos do que apolíneos.

O advento de uma literatura desenvolvida pela internet segue o mesmo caminho transgressor das manifestações da contracultura, até porque são evidentes as particularidades que fazem similar a contundência de um discurso alternativo com a posição menos utópica da atualidade.

O que é geração beat?

Geração Beat ficou conhecida a geração de escritores, poetas e artistas, em geral que formaram uma vanguarda artística da cultura norte-americana nos anos 50. O início do movimento está ligado ao grupo de escritores que desenvolveram uma produção artística que aliava o interesse pelo relato em êxtase da drogas, bem como de todas as formas de experiências pessoais e transcendentais.

Kerouac: o "maldito" que cunhou o termo beat generation

Cláudio Willer, aponta que o termo “beatnik” tem um sentido irônico e depreciativo, quando a imprensa rotulou a produção dos autores da geração beat. Isso, porque o termo beat estaria associado ao nome do primeiro satélite artificial, o Sputnik. O termo pegou e designou ao fenômeno coletivo que pegaria em cheio aos jovens do pós-Guerra e que serviria de base para o comportamento social da contracultura, movimento social em escala global que definiria novos conceitos e valores a partir da década de 60.

Texto editado do artigo "As novas faces da literatura" - 2006

A massa e a revolução

2011-05-10T15:42:00.000-07:00

Michel Maffessoli: intelectual que cunhou o termo "tribos urbanas"

A análise de massa pelos intelectuais quase sempre é acompanhada de uma desconfiança natural com relação ao bom senso popular, tudo porque a massa ou o povo se ocupa sem preocupação daquilo que o cerca, sem ter a noção do que está além de seus círculos sociais. Todavia, não se pode definir o povo por esses conceitos errôneos.

O sociólogo francês Michel Maffessoli entende que esse conceito surge porque a massa foge do padrão de medidas estatísticas

que acerquem sua comprovação com base em números. Daí, o sentido muitas vezes preconceituoso de que a massa é alienada, enfim, um grande agrupamento de pessoas que não se “enquadra” em fáceis definições, e sem fáceis definições, estereótipos ou rótulos, fica mais difícil entende-la.

O sociólogo destaca que tudo aquilo que é da ordem heterogênea e de complexibilidade extrema repugna os burocratas do saber, por não ser de fácil medição. Contudo, inquieta os burocratas do poder, isso porque uma massa não homogênea é mais difícil de controlar.

Como entender a massa?

Com a Revolução Francesa que eclodiu em 1789, ocorre uma transformação radical na vida política, bem como no papel do intelectual que é chamado a representar nela. Dessa forma, a política se torna base de qualquer pensamento social dos séculos XIX e XX. Hoje, é quase impossível compreender tudo que ultrapassa esse universo de sentidos, onde o povo e a idéia de massa são objetos de domínios reservados.

Não há como compreender o popular tentando-o submeter às linhas desconexas, que não se interligam, ou que estejam desvinculadas entre si. Esse ideal de projeto se reduz em parâmetros difusos porque não há como estabelecer o povo sem mergulhar na sua complexidade de signos. A massa é informe. Composta de ideais construtivas ou idéias alienantes; posições generosas e mesquinhas, ou seja, o povo é um organismo tomado de sentidos contraditórios.

Greve de 1917 em Porto Alegre: como prever e controlar a ação política da massa?

No passado os estudiosos delegavam poucos esforços na pesquisa com os povos das aldeias, hoje quando estas se multiplicam com suas características próprias nas grandes cidades, por exemplo, é necessário investigar esses pequenos universos para compreender o saber local daquele território. Esse saber, aliado a outros saberes de outros territórios, configura o entendimento da vida atual de nossas sociedades cada vez mais voláteis em identidades. É dessa forma que o estar junto é ressaltado.

Revoluções do cotidiano: culpa da massa

Mafessoli aponta que a história nomeia os grandes movimentos através dos tempos com pessoas específicas, mas além desses “heróis” construídos, a massa é que dinamiza a mudança político e social. Seja na revolução Francesa de 1789, como nas revoluções do Oriente Médio do começo do ano e que irromperam através da mobilização de comunicação alternativa realizada por internautas.

Liberdade: o pedido árabe é o mesmo de outros tempos

Em relação à contracultura do final dos anos 60, podem-se comparar as ações de revolta contra as ditaduras árabes pela mesma tônica de mudança, alteração do sistema político trazida pela influência de produtos culturais à margem e que ganham “espaço” e “voz” graças à tecnologia. A única diferença é que o cerceamento à informação e o pouco acesso a uma tecnologia como a atual - em que cada indivíduo torna-se um mensageiro em larga escala pelas redes sociais – “barrou” revoltas em países como os da América Latina nos tempos da ditadura. Hoje, sem a Guerra Fria, as ditaduras do Oriente Médio acabaram tornando-se um engodo para países como os EUA que por tanto tempo apoiou os regimes totalitários. A questão é que a “primavera árabe” nasceu a partir da energia da massa e do uso da tecnologia como instrumento de subversão.

Isso porque a internet possibilita a união de vozes de regiões distintas em cultura, mas que se encontram num mesmo universo de interesses e desejos. A manifestação de interesses não “institucionalizados” pelos aparelhos de controle e repressão, emerge de grupos que se proliferam em tentáculos virtuais, logo se manifestam no campo do “real”, o que determina novas formas de ação contra o poder. Portanto, qualquer forma de censura e controle, pode ser corrompido pela tecnologia que não altera a consciência das pessoas, mas apenas reforça a revitalização de uma cultura marginal, contrária a algo “oficial”. É essa “energia de massa”, plenamente orgânica, que a história comprova através dos tempos. Isso porque um grupo de pessoas que influe contra um mesmo objetivo, busca, na verdade, um ideal de sinergia em que todos os indivíduos possam fundir-se em um só “corpo”, porém mantendo sua própria autonomia dos demais grupos.

A revolução social causada pela massa árabe redefinirá o mundo

Cinema e Política: diálogo sempre necessário

2011-05-06T08:33:00.000-07:00

Na última década houve uma proliferação de filmes que abordavam temas políticos. Fenômeno registrado no Brasil, o cinema com temas políticos teve seu equivalente na Europa e Estados Unidos. Grandes produções, ou filmes de baixo orçamento, exploraram a verborragia utópica de um cinema “verdade” das obras contraculturais das décadas de 60 e 70. A diferença é o senso de nostalgia e, a conseqüente, ‘romantização’ de um ideal de mundo que virou artigo “retrô” da moda ou um símbolo heróico para aqueles que não viveram, mas gostariam de também pegar em armas e fazer as suas “barricadas do desejo” como tão bem salientou o filósofo “top” de 1968, Herbert Marcuse. Claro, o mundo mudou e estamos em um período em que não sabemos ao certo qual é o caminho para a civilização, afinal toda e qualquer ideologia é contestada por ter um caráter ideológico.

No país das bananas, do samba e do futebol, passamos a adotar como coisa “tão nossa” o produto corrupção e aceitamos indiferente a condição de meros espectadores desse teatro bufão que se instalou em Brasília – atual espelho da deterioração de caráter nacional. Porém, o cinema sempre foi a arte que melhor (e com maior alcance) representa nossa condição humana. É pela dita sétima arte que ocorre a identificação com o personagem representado. O cinema nos mostra como realmente somos: seja como os inocentes úteis - a tradicional massa de manobra alienada que condena os próprios homens que ao poder foram postos por eles mesmos - ou como os vilões que preferem a omissão, o silêncio e o desdém para todo e qualquer crime cotidiano, tudo para conquistar seu espaço na máquina. Portanto, a ficção acaba denunciando tudo que é real e que se sustenta nos interstícios da vida social. Uma exploração que envolve, de alguma forma, todos os atores sociais numa superestrutura degradante, conhecida, hoje, como sistema político atual. Dessa forma, o cinema político é sempre interessante porque discute aquilo que muitas vezes achamos “chato”, mostrando com outras cores a realidade do dia-a-dia.

Hotel Ruanda: filme apresenta massacre esquecido pelo mundo

É inegável que se há interesse do público nas produções políticas é porque precisamos mudar o curso do atual sistema.

Assim, quando se tem um vácuo de intenções e onde o próprio sentido de mudar um planeta, condenado pelos abusos cometidos em nome do progresso e do desenvolvimento (e de todos os slogans positivistas), não gera comoção na maior parte da população mundial, têm-se a esperança que a arte produza a revolução de costumes.

Cinema e ideologia

Nos anos 60 e 70 usavam-se metáforas para transmitir o discurso contra os aparelhos ideológicos de repressão, seja a escola, a igreja, a polícia e os governantes...

Se a literatura e o teatro rompiam com os paradigmas e contestavam o mundo, a música e o cinema também faziam o mesmo. No campo da sétima arte, tivemos a explosão da Nouvelle Vague francesa que num primeiro momento discutia as relações do cotidiano para depois chegar a produções radicais como A Chinesa, de Godard. Se a obra encontrou eco nas agitações do Maio de 68; no Brasil nem houve tempo e força para produzir um cinema que empolgasse a discussão social. Com os militares no poder, o Cinema Novo foi acusado de ser ideologicamente contraditário, visto que era patrocinado com recursos do governo que criticava. Mesmo assim, o Cinema Novo lançou obras do porte de Terra em Transe, talvez a maior obra política que o país já tenha produzido, porém com a repressão e a censura voraz, o cinema brasileiro passaria quase vinte anos sobrevivendo com as pornochanchadas, gênero que manteve muitos atores e técnicos de cinema à margem, mas ainda no mercado de trabalho. A grande tragédia viria com a extinção de qualquer apoio ao cinema e isso chegaria aos tempos da era Collor, o mesmo que governava no triste ritmo das canções sertanejas de Leandro e Leonardo, enfim: dias trágicos para a arte e a cultura nacional.

Saló: A perversão humana legitimada pelo Estado

Nos anos de censura, o público brasileiro ficou privado de produções nacionais que eram mutiladas ou proibidas e também dos filmes políticos realizados em outros países. Obras como Laranja Mecânica, O Conformista, 120 dias de Saló, Último Tango em Paris, Zabriskie Point, If, Giordano Brunno, A Classe Operária vai ao Paraíso, Z, Estado de Sítio, entre outros foram “decapitados” pela censura, ou totalmente proibidos como foi o caso de Último Tango e Laranja Mecânica.

Um Estranho no Ninho: Metáfora perfeita para o sistema repressor

Algumas obras conseguiram dar seu recado, talvez por ignorância dos censores, tais como Perdidos na Noite, Sem Destino, Cada Um Vive Como Quer e Um Estranho no Ninho.

Para se ter uma ideia dos tempos complicados para quem desejava ver um filme, digamos contracultural, o premiado e clássico “Toda Nudez Será Castigada”, de Arnaldo Jabor, era retirado dos cinemas e o público escorraçado das salas quando do lançamento do filme, em 1973. A polícia, junto com censores, definia o que era considerado pornográfico ou subversivo, ou as duas coisas juntas. Claro, o tiro saia pela culatra e instigava ainda mais as pessoas procurarem os “brinquedos proibidos”. Como brasileiro sempre deu um jeitinho para tudo, a saída era viajar até o Uruguai, que na época ainda não estava amordaçado por uma ditadura tão barra pesada quanto a brasileira. A revista Veja de 4 de julho de 1973 divulgava as excursões que saiam de Porto Alegre até Montevidéu para que os gaúchos pudessem fazer o ato de subversão de irem ao cinema!!

As excursões denominadas “Excursão Laranja Mecânica” e a “Operação Último Tango”, por exemplo, reforçavam o interesse do brasileiro por aquilo que era “proibido”, não que tais filmes incitassem a discussão política.

Último Tango em Paris: sexo e amor como política

Questionário da censura

Um filme com teor muito mais “político” foi o filme Sacco e Vanzetti, que abordava o assassinato dos dois anarquistas. Certamente, ele era incluído no questionário que os censores respondiam quando assistiam as obras. No questionário, havia questões como: Quanto à moral e aos bons costumes:

A – é construtivo?

B – Aborda conflitos de geração?

C- Induz à prática do amor livre?

D – Mostra cenas chocantes ou imorais?

Ou então:

Quanto ao conteúdo ideológico:

A – Contém propaganda marxista ostensiva?

B – Destaca graves problemas sociais?

C – Aborda problemas raciais, como discriminação racial no Brasil ou poder negro americano?

D – Os problemas fora do Brasil podem ter conotação velada ou sublinhada no Brasil?

E – Procura desmoralizar ou desfigurar a atividade policial ou das Forças Armadas?

F – A Igreja ou os fundamentos cristãos da sociedade – Distorce a doutrina cristã?

E assim seguia o questionário, quase sempre respondido por censores que pouco sabiam do que se tratava as obras. Tanto é que o mesmo governo que escorraçou o público por assistir Toda Nudez... premiou o filme, através do Ministério da Educação.

Política nos dias atuais: ainda dá pra criticar com arte?

Hoje, a palavra revolução soa tão artificial quanto uma propaganda de refrigerante, mas ainda há como escapar das produções blockbusters que servem apenas como entretenimento fugaz. Com o advento e expansão da internet todos podem ter acesso aos filmes antes proibidos ou “malditos” por não se enquadrarem nas produções de fácil compreensão. Além disso, percebendo a problemática que envolve nosso tempo, temos um resgate de obras que são feitas para questionar, não apenas o mundo que nos envolve, mas também a nós mesmos que estamos ali, concentrados e bem acomodados perdendo em torno de duas horas da vida real para acompanhar uma “ficção”.

Clube da Luta: mal estar da civilização

No final dos anos 90 o filme Clube da Luta foi um soco no estômago da sociedade mundial que entende que consumir é o melhor e maior dos verbos. Da Europa, inúmeros filmes como A Vida Sonhada dos Anjos (obra que questiona o tratamento europeu às minorias) e Dogville que desestruturava como já havia ocorrido em outros filmes do movimento Dogma 95, a noção de cinema e espetáculo, bem como da sociedade que funciona à base de regras morais que condicionam apenas hipocrisia e mentira, foram casos de filmes autorais elogiados por público e crítica.

Se a mídia é o quarto poder, assim como Costa-Gravas exibiu em sua obra homônima que criticava o sensacionalismo explícito e o poder de julgamento dos veículos de comunicação, O Show de Truman (1999) antevia a sociedade do espetáculo regida pela mídia, onde a nossa condição alienante em espiar a vida alheia passou a ser o grande modelo de diversão na “telinha”.

O genial Bernardo Bertollucci resgatou as revoluções do cotidiano pregadas no simbólico 1968 com o belo Os Sonhadores (2003), onde as contradições de um mundo reacionário são expostas por um trio de estudantes dispostos a viverem novas experiências. Da Alemanha veio Adeus Lênin (2003) que trazia humor ao mostrar o desespero daqueles que desejavam manter as aparências de um regime varrido pelo neoliberalismo. Beleza Americana (1999) destruía todos os mitos americanos, que pela política imperialista passaram a ser os nossos mitos culturais, vindo abaixo antes que as Torres Gêmeas despencassem. Jardineiro Fiel, Syriana, Senhor das Armas, Coisas Belas e Sujas, são exemplos de que a globalização é apenas uma palavra bonita. Fora esses exemplos, temos Paradise Now que apresenta as discussões sempre atuais relacionadas à intolerância e radicalismo e o belo A Culpa é do Fidel que mostra a questão das ideologias radicais nos tempos de Guerra Fria.

Beleza Americana: o estúpido cidadão norte-americano (ou ocidental) no cinema

Do lado tupiniquim tivemos marcos como Cidade de Deus e Tropa de Elite, filmes que comprovaram que cinema deve gerar discussão na sociedade. Outro grande motivo para a boa produção brasileira foi a tentativa de resgatar o passado recente que a sociedade insiste em esquecer, no caso os “anos de chumbo”. Houve uma série de filmes que trouxeram à tona os abusos cometidos no período de terror que durou duas décadas. Batismo de Sangue, Cabra Cega, Quase Dois Irmãos, Zuzu Angel, O Ano em que meus pais saíram de férias, só para citar os mais conhecidos.

Contudo, o cinema brasileiro não ficou preso em observar o passado recente. Propostas ousadas e críticas contundentes sobre o país foram produzidas durante a década.

O filme Quanto vale ou é por quilo?, de Sérgio Bianchi é um exemplo. A obra que serve como um panorama das indústrias da miséria social discute o passado e o presente do país. O paternalismo político e o sistema escravocrata se misturam com a realidade de falsos interesses da atualidade, onde a criação de Ongs e setores sociais e os tão aclamados posicionamentos de filantropia, são pura jogada de marketing político das empresas, uma máscara para novos atos de corrupção.

Quanto vale...: O assistencialismo como alternativa para a corrupção

Outro filme que mexeu com as platéias foi A Concepção. Pesado em suas cenas e angustiante em sua abordagem, o filme mostra um grupo de jovens burgueses de Brasília entediados com a vida alienada e o vazio existencial. Na trama que choca pelas cenas e pelo discurso niilista, essa condição faz com que os personagens criem um sistema político e social baseado na anarquia e na destruição de todos os valores concebidos pela sociedade. Além desse filme, trabalhos como Amarelo Manga e Baixio das Bestas também tem um forte conteúdo político. Abordam a crueza do Brasil, numa denúncia seca e agressiva, mostrando aos brasileiros um país que preferimos não ver.

Baixio das Bestas: O mesmo Brasil da Copa é o Brasil das bestas

O cinema político é vital para a compreensão do mundo que muitas vezes se mostra “difícil” de compreender. Quando somos bombardeados por notícias, muitas sem um aprofundamento necessário ou até mesmo uma abordagem menos rasa em conteúdo, precisamos buscar essa compreensão em livros e filmes. O cinema é um veículo de comunicação que consegue esse efeito e muitas vezes um filme não precisa ser baseado num “discurso político” para fazer política, afinal estamos sempre fazendo política e devemos ter essa ideia bem centrada para não ficarmos na eterna condição de “rebanho passivo”.

Warhol e o cinema: arte ou lixo?

2011-04-29T10:12:00.000-07:00

Para entender o cinema como atividade de experimentação com legado e influência direta para as produções atuais e, conseqüentemente, para o surgimento das inovações visuais que são testadas em videoclipes, por exemplo, é importante ressaltar a obra cinematográfica do artista plástico Andy Warhol.

Nos anos 60, Warhol já era conhecido pelo visual excêntrico de dândi entediado, bem como por suas obras de pop art como a famosa sopa de lata da Campbells. Outra marca do artista era a reprodução em cores saturadas de retratos de celebridades como Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor e Elvis Presley. Warhol ambicionava questionar o “valor” e a estética das artes plásticas.

O começo do artista foi na publicidade, onde ganhou fama. Depois passou a se diferenciar de outros pares da vanguarda americana ao ter como base em seu trabalho a abordagem cínica em relação ao consumismo americano. Por isso, Warhol desenvolveu uma idéia de “industrialização” da arte como forma para romper com os padrões estilísticos do gênero. Isso possibilitava, segundo ele, trazer novos conceitos para a produção artística elevando o kitsh da cultura de massa como produto de arte.

Uma das principais características de sua criação na década da contracultura dos anos 60 foi reunir diferentes formas de expressão em um único conceito. De certa forma, inovou ao criar eventos multimídia, isso muitos “anos luz” da profusão da Internet. Criações como o Exploding Plastic Inevitable (happening com diferentes manifestações artísticas unidas em uma proposta radical de comunicação marginal), são a gênese da idéia da cultura multimídia com pretensões de arte pop.

Andy e o Velvet Underground

O evento era a união de teatro, poesia, música, exposição de obras de arte e cinema. Apadrinhando o grupo Velvet Underground, liderado por Lou Reed, a banda fazia a apresentação musical do Exploding com cenas de filmes de Warhol sendo projetadas sobre o fundo do palco. Vendo o sucesso da beatlemania e do rock como linguagem cultural da juventude, Warhol não tardou em se aproveitar da cultura do rock como forma de arte. Ao dar a “alma” que o grupo necessitava - leia-se a estética suja e obscura das canções, com letras provocadoras que abordavam temas pesados como drogas e sadomasoquismo - ele estava colocando em evidência um rock que seria tão influente quanto o dos Beatles. Hoje, passados mais de 40 anos, fica comprovado em gêneros e tribos surgidas como os punks, góticos, darks, clubbers, entre outros.

No entanto, a ousadia maior de Warhol surgiu no cinema. Experimental como poucos, ele conseguiu subverter o cinema realista feito na França e Itália, chegando numa ruptura total desses elementos em voga naquele período. Em termos de cinema de vanguarda, ele filmou com devoção o universo fútil e vicioso das pessoas que o rodeavam (artistas plásticos, modelos, atores e celebridades), como também procurou destruir com todos os conceitos e mitos ligados à sétima arte, como aponta o jornalista Antonio Querina Neto.

[...] com seus diálogos inconseqüentes, sua proposital esterilidade de narrativa e outros “defeitos” deliberados (granulação elevada, buracos, pedaços queimados, misturas de sons de fora e de dentro do campo de visão) é uma afronta divertidíssima (como tudo que ele fez) aos cânones da arte convencional. [1]

A filmografia do artista plástico é um exemplo disso: do tedioso voyeurismo silencioso de filmes como Empire (1964) onde Warhol filma por oito horas o 44° andar do Empire State Bulding a closes abusivos em seqüências lentas e enfadonhas de beijos como em Kiss (1963) ou nas “caras e bocas” de um jovem supostamente recebendo sexo oral em Blow Job (1963). Isso sem falar nos filmes com roteiros absurdos como Space (1965) que desestrutura com o conceito de “interpretação” ao mostrar atores lendo cartões que lhes indicam o que devem fazer.

A ousadia do diretor durou até 1967 quando já dividia o cargo de diretor com Paul Morrisey. Depois dessas obras, os filmes do artista passam a contar com um formato mais tradicional e linear, almejando um retorno mais comercial. O próprio Warhol, após sofrer uma tentativa de homicídio pela ex-atriz de seus filmes Valerie Solanas, em 1968, deixou o lado provocador de sua arte e participou de forma ativa do “star system americano”. Um exemplo é a revista Interview, em que ele mitificava celebridades, nada que uma Caras da vida não faça.

Andy no set de filmagem

Contudo, a experiência cinematográfica de Warhol foi tão impactante e influenciadora como suas obras em outras áreas mídiáticas. O caráter transgressor, tal a desconstrução dos paradigmas do cinema em seus curtas e longas, podem ser considerados como genitores da estética de “televisão de videoclipe” da MTV, a partir do início dos anos 80.

Basta conferir a não linearidade e os aspectos surreais das vinhetas da emissora. Outra influência percebida nos dias atual é a expansão de produções amadoras que se proliferam como vírus no site de compartilhamento de vídeos You Tube. Ali pululam obras em diferentes formatos e gêneros, mas todas com a idéia fixa de filmar o banal do cotidiano, passando assim a “endeusar” o fugaz através das câmeras e de outros utensílios advindos do acesso irrestrito à tecnologia.

O que se vê em Warhol e nos “filmezinhos” amadores na Internet é o mesmo ideal: romper com a convenção tradicional do cinema clássico, promovendo o universo que há ao redor do “diretor”. Essa relação ocorre com o voyeurismo de quem assiste aos vídeos, que é o mesmo de quem capta a realidade através de uma câmera, máquina digital e até mesmo de telefones celulares. Portanto há uma quebra de paradigmas, afinal Warhol propõe que qualquer um é um emissor de informação e que a “hierarquia” desta produção de sentido está alterada, nada mais verdadeiro do que a relação atual do homem com a internet.

Assim, Warhol e o You Tube, por exemplo, provocam o mesmo questionamento ao testar limites do que é concebido e institucionalizado como “arte”: É cinema um filme que apenas capta a imagem de um arranha-céu em uma grande cidade? É cinema uma produção amadora feita com um celular tendo mais acesso ao público do que um longa comercial?

[1] Neto, Antonio Querina, “O Papa do Pop”, Revista Set, pág. 60.

Listagem de filmes de Warhol

*Filmografia alternativa ou...

“Aqueles que andavam com o Andy eram todos uns idiotas drogados”, afirma Paul Morrissey que dirigiu todos estes filmes, “fiz os filmes para mostrar como eram estúpidos”.
Sleep. 1963.

Mostra, em seis horas de duração, John Giorno, amigo de Warhol simplesmente dormindo... nas recentes exibições mantém a projeção a 16 quadros por segundo e são exibidos "apenas" 42 minutos de filme, que já é um delírio. Estética de Andy Warhol de que o olhar implacável da câmera pode romper comportamentos normais e forçar uma resposta específica;

Blow Job, 1963, 35 minutos, silencioso (o registro de um ato de sexo oral em que se vê apenas o primeiro plano de um jovem ator anônimo).

Kiss, 1963. com Baby Jane Holzer e Gerarde Malanga: dois dos novos superastros criados por Warhol mostra quase uma dúzia de pessoas, numa sucessão de beijos que dura 58 minutos.

Haircut, 1963.

Eat, 1963. 39 minutos silencioso (o ator e artista plástico Robert Indiana come meticulosamente um cogumelo frente à câmara, evocando retratos de santos feitos pelos pintores flamengos no século 15).

Empire, em 1964, warhol filma oito horas de um quadro parado do empire state building ele queria mostrar a "vida sob o olhar de um defunto".

Tarzan and Jane regained ... sort of, 1964

Dance movie/roller skate, 1964

Batman Dracula, 1964

Salome and Delilah, 1964

Soap opera, 1964 (co-dir.)

Couch 1964

13 most beautiful women, 1964

Harlot, 1964 "O grande filme, insuperável da carreira de Mario Montez, foi 'Harlot' de Warhol, em que ele faz uma loura (que seria uma fusão de Harlow e Marilyn; ‘harlot’ vem de Harlow) travestida, de luvas brancas, que come bananas todo o tempo, devagar, descascando-as de luvas brancas, num sofá claro que isso é uma descrição bem careta, que não é tudo; a última banana é enfiada no cu pela própria; Warhol fez 'harlot' em 1964, e se situa na sua obra como uma transição da fase de 'eat', 'sleep', 'Kiss', para a que culminaria com 'the chelsea girls'; vou lhe enviar um novo livro que saiu: Vida e sexo de Andy Warhol”. Trecho de carta de Hélio Oiticica para Torquato Neto, 18 jun. / 1971.

'The life of Juanita Castro' de 1965. 65 minutos, sonoro
(Sátira a Fidel, seu irmão Raul e Che Guevara são interpretados por mulheres).

Poor little rich girl, 1965

Screen test, 1965

Vinyl, 1965

Beauty #2, 1965

Horse, 1965

My hustler, 1965

Camp, 1965

Afternoon, 1965

Suicide, 1965

Drunk, 1965

Bitch, 1965

Prison, 1965

Space, 1965

The Closet, 1965

Henry Geldzahler, de 1965. 90 minutos, silencioso (o curador de arte nova-iorquino fuma um interminável charuto).

Taylor Mead's ass' (1965).

Face, 1966

Outer and inner space, 1966

The 14-year old girl/hedy/hedy the shoplifter, 1966

More milk Yvette/Lana Turner, 1966

The Velvet Underground and Nico, 1966

Kitchen, 1966

Lupe, 1966

Chelsea girls, de 1966, 210 minutos, sonoro
(Nova-iorquinos drogados e ensimesmados, viajando em seu próprio mundo, enquanto os Estados Unidos lutavam no Vietnã)
I'm a man, 1967

Bike boy, 1967

Nude restaurant, 1967

****/four stars/24-hour movie, 1967

The loves of Ondine, 1968

Flesh (1968 - produtor) ano da "aposentadoria" de Andy Warhol como cineasta underground neste ano, o artista sobreviveu a um atentado praticado pela feminista Valerie Solanas, que lhe desferiu três tiros foi assim que ela, que mantinha uma tempestuosa relação de amizade com Warhol, paradoxalmente garantiu seus 15 minutos de fama sua história virou o filme: "Um tiro para Andy Warhol" ("I shot Andy Warhol", Estados Unidos, 1996), longa de estréia de Mary Harron.

Lonesome cowboys, 1968

Blue movie/fuck, 1969

Trash, 1970 (producer)

Heat, 1972 (producer)

Women in revolt, 1972 (co.dir. with Paul Morrisey)

L'amour, 1973 (co.dir. and co-script with Morrisey)

Andy Warhol's Frankenstein/Flesh for Frankenstein, 1974 (producer).

Andy Warhol's Dracula/Blood for Dracula, 1974 (producer).

Underground and emigrants, 1976 (actor)

Andy Warhol's bad, 1977 (producer)

An unmarried woman, 1978 (art collab.)

Cocaine cowboys, 1979 (actor)

The Look, 1985 (actor)

Vamp, 1986 (contrib. art)

Superstar: The Life and Times of Andy Warhol, 1991 (documentary)

*Compilado e escrito por Mário Pacheco -

http://www.dopropriobolso.com.br/index.php?option=com_content&view=article&id=576:andy-warhol-uma-galeria-de-cineastas-underground&catid=51:cinema&Itemid=54

Memórias de um tempo (ainda) de vanguarda: essa tal de marginália

2011-04-26T07:06:00.000-07:00

Uma das últimas manifestações da cultura brasileira que irrompeu nos anos de chumbo – a poesia marginal – merece destaque por ser proveniente de um período histórico único em nosso território e por fazer uma espécie de “diálogo” com a prosa urbana das grandes metrópoles, mais que isso: buscou retirar a poeira acadêmica dos versos e tentou populariza-la com a linguagem musical da mesma música brasileira, que sentia as mudanças causadas pelo tropicalismo no ano de 1968.

O termo marginal se referia aos artistas à margem das editoras nacionais naqueles idos de ilusão provocada pelo “milagre brasileiro”. Arma vital contra a repressão ditatorial empregada com maior veemência pelo governo Médici (1969-1974), ela, a poesia, seguiria o percurso de contestação e deboche visto, principalmente, nos jornais nanicos ou também intitulados “jornais da imprensa marginal”.

Ser marginal naqueles idos era estar contra a corrente ufanista que exaltava as garantias de consumo conquistadas pela classe média e elite brasileira. Mais: era a possibilidade de trazer, com alguns anos de atraso, o discurso libertário e utópico da contracultura americana para os trópicos tupiniquins. Os desvairados que tentavam enfrentar com arte e cultura a repressão violenta da ditadura militar, muitas vezes eram denominados “desbundados” – assim como os jovens que não aderiram a luta armada como o público universitário que integrou grupos de guerrilha armada no final dos anos 60 e durante a década de 70.

Waly Salomão: o poeta pós-tropicalista que traduziu a consciência hippie tupiniquim

A ruptura tropical para a arte institucionalizada

Se os “cabeludos alienados”, como eram vistos pela parcela da juventude intelectualizada que aderia à luta armada, ganharam uma pecha de desbundados por quererem apenas curtir a vida e se entregar ao amor livre - bem como às drogas alucinógenas como maconha, LSD, chá de cogumelo e mescalina, e uma volta para o campo em comunidades rurais - eram a resposta daqueles que tiveram a sensibilidade para notar que não havia como responder com uma revolução armada à ditadura.

Na primeira metade da década de 70, o governo havia praticamente extinguido toda e qualquer reação política civil. O bipartidarismo não atendia as reivindicações da sociedade, visto que o partido do governo, a Arena, era mais forte e a própria oposição, o MDB ganharia força apenas em 1974. Portanto, nos anos do governo Médici a violência estatal totalitária amordaçava a sociedade de forma radical com censura, prisões, cassações e assassinatos. A última tentativa civil de produzir uma guerrilha revolucionária foi exterminada em três anos de combate na região do Araguaia. Os poucos sobreviventes traziam as marcas e a certeza de que não haveria como vencer um governo que detinha apoio de grande parte da população, afinal a “realidade” vendida pelos meios de comunicação mostrava um país em franco e acelerado processo de progresso econômico.

O milagre econômico atendia os desejos da classe média que podia usar de seu poder de compra para consumir os símbolos modernos de status, tais como aparelhos eletrodomésticos e carros de luxo. A publicidade evocava uma nação segura e ordeira cuja população gozava da alienação produzida pela indústria cultural que ganhava espaço no país. Num cenário de escuridão como o da década de 70 apenas a arte poderia ser usada como resistência e salvação. Contudo, como os artistas preocupados com a realidade brasileira poderiam expressar seu descontentamento se não havia espaços para divulgação, bem como uma censura sanguinária castrava qualquer ato criativo que usasse a liberdade de expressão como arma?

Slogan ufanista do período ditatorial

Só quem buscasse os espaços à margem e tivesse como lema a comunicação como instrumento revolucionário poderia ganhar territórios para expressar sua revolta contra o sistema que padronizava tudo, até mesmo a contracultura que logo virou utensílios de moda para a juventude.

Mas a visão distorcida sobre a contracultura e suas manifestações na arte brasileira é conseqüência direta de um pensamento acadêmico que ficou preso aos baluartes do modernismo. Se as criações do concretismo, por exemplo, eram vistas como um absurdo estético, a poesia marginal, que nasce duas décadas depois, e que almeja romper com o lirismo e o verso, bem como toda forma de engajamento, afinal descreve e explicita, por sua vez, a própria alienação social instalada pela ditadura e os meios de comunicação de massa, é, ela própria, subversiva política e artisticamente revolucionária. Ao criticar todo e qualquer interesse acadêmico em propor uma militância também nas artes, a marginalia das canções de Jards Macalé, Walter Franco, do cinema de Julio Bressane, Rogério Sganzerla e Ivan Cardoso, bem como a poesia de nomes como Torquato Neto, Walli Salomão, Paulo Leminski, Chacal, Ana Cristina César, se tornou um instrumento de guerrilha cultural que ousava desestruturar as amarras e limites impostos pela arte institucionalizada. O que o tropicalismo almejou nos idos de 1967-68, foi aos poucos “deglutido” como arte popular e aceito até mesmo pelos críticos de primeira hora, que no passado viam o movimento como um recurso do imperialismo americano para alienar os jovens que preferiam o tropicalismo a uma música de raízes brasileiras e de cunho ideológico.

Em 1971, a própria tropicália já era um movimento ultrapassado para alguns nomes egressos do movimento, tais como, Torquato Neto que exigiam uma nova proposta estética que fosse além das aberturas propostas originalmente pelo movimento. O cinema novo que era uma força artística da segunda metade da década de 60 e dialogava com o tropicalismo, era considerado um movimento fadado ao fracasso como força propulsora de uma conscientização social. A grande acusação era de que os filmes produzidos pelo cinema novo e que criticavam o governo recebiam apoio da Embrafilme.

Nesse período, começo dos anos 70, a comunicação de massa, que começava a despontar no Brasil com a crescente popularização de aparelhos de televisão e, a própria utilização da mídia pelo regime militar para propagar uma propaganda ufanista – justificados como “força integradora” da Nação - serviu para o contato da sociedade intelectualizada com os mecanismos de divulgação da indústria cultural. Motivado por essa nova condição, o movimento tropicalista irá se beneficiar das próprias diretrizes que se alinhavam no cenário cultural do Brasil, “despertando” outras áreas da cultura como a imprensa alternativa a se posicionar frente aos padrões estabelecidos naquele período de ditadura militar.

Pasquim - "O Jornal !"

2011-04-14T06:42:00.000-07:00

Pasquim: A revolução no jornalismo brasileiro (texto orginalmente publicado no jornal Minuano - 2006)

Nestes dias de espetacularização da corrupção e a política nacional servindo de “picadeiro” para políticos, falta à população um veículo de informação que busque ...

...através de um humor “anárquico” contextualizar e criticar o que está ocorrendo em nossa pátria de “chuteiras” (até na grande alegria do povo a corrupção deu mostra de sua força no campeonato brasileiro do ano passado)e é justamente nessas horas que lembramos com saudades do velho Pasquim.

Se Deus é brasileiro e se esse é o país do futuro, ou se esse não é um país sério, como afirmava o general francês De Gaulle, pouco importa! Todas as máximas ditas e reeditas serviam de piada para o Pasquim, que continha aliada à informação, um humor ferino e sagaz, daqueles que colocava o dedo na ferida sem medo de criar polêmica ou inimigos.

Lançado em 26 de julho de 1969, pelo jornalista gaúcho Tarso de Castro, o jornal seria uma das grandes forças contra a repressão política da ditadura militar nos anos 70.

Com uma tiragem inicial de 20 mil cópias (o jornal chegaria na metade da década de 70 a 200 mil cópias), o Pasquim era inovador em se tratando da imprensa da época, pois falava de assuntos até então tabus para o Brasil daqueles tempos, como divórcio, sexo, drogas, aborto, feminismo, etc. Formado por uma das melhores equipes jornalísticas da história da imprensa nacional, o Pasquim revolucionou o jornalismo brasileiro, imprimindo como marca principal, textos ousados e inteligentes, matérias alternativas e espaços para um humor ácido em sua crítica social.

Em plena era de repressão militar o Pasquim foi uma das vozes contra a ditadura. Um exemplo dessa força foi a prisão de todos os jornalistas do veículo em 1970. O governo que almejava terminar com o jornal, não imaginava que vários artistas e intelectuais se reunissem e mantivessem o jornal funcionando como colaboradores, entre eles estavam: Chico Buarque,Glauber Rocha, Norma Bengell, entre outros artistas e intelectuais.

O “Dream Team” do jornalismo nacional

Qualquer jornal gostaria de ter uma redação com a patota de jornalistas, artistas e intelectuais como a do Pasquim, afinal as mentes e expressões mais inteligentes e ousadas naqueles "anos de chumbo", escreviam para o jornal. Gente como: Tarso de Castro, Paulo Francis, Jaguar, Millôr Fernandes, Paulo Garcez, Sérgio Cabral, Luiz Carlos Maciel, Fortuna, e depois colaboradores de primeira como: Henfil, Ziraldo, Tárik de Souza, Ruy Castro, Fausto Wolff, entre muitos outros.

Por isso não tinha como o Pasquim não ser aclamado como ícone de um tempo, influenciando vários jornais alternativos, os chamados jornais nanicos, nas décadas seguintes, publicações que auxiliaram na crítica política e social principalmente no período de abertura e das Diretas Já em 1984.

O Fim do Pasquim

A grande força do jornal vinha de sua postura de crítico da realidade social daquele período de ditadura, pois nos anos 80 o jornal, que tinha uma excelente tiragem, começava a perder espaços para outros veículos de comunicação.

A queda nas vendagens foi tão intensa que na década de 80 o jornal já não despertava o mesmo interesse dos anos anteriores, perdendo espaço pra revistas como a do Chiclete com Banana, entre outras publicações.

O Pasquim encerrava sua história em 11 de fevereiro de 1991. Da equipe original só restara o desenhista Jaguar.

Tentando recuperar a magia dos velhos tempos, Ziraldo, em 2001, banca o relançamento do Pasquim, agora com o nome de Pasquim 21. O jornal volta a contar com bons jornalistas, e alguns antigos colaboradores, porém não conseguiu obter a mesma química dos velhos tempos, acabando definitivamente em 2004.

Henfil e o retrato em desenho dos brasileiros

Uma das grandes “cabeças” do Pasquim foi o cartunista Henrique de Souza Filho, o Henfil.

Nascido em 5 de fevereiro de 1944 e tendo falecido em 4 de janeiro de 1988, Henfil foi um dos grandes cartunistas e desenhistas do Brasil.

Após desistir do curso de sociologia e de ter participado de alguns jornais mineiros, vai para o Rio de Janeiro no final dos anos 60, quando começa a trabalhar para revistas como Realidade, Placar, Visão e o Cruzeiro. Em 1969 entra para o Pasquim e para o Jornal do Brasil obtendo grande destaque com personagens como Fradinhos, Zeferino e Graúna.

Dono de um estilo anárquico e altamente crítico, Henfil foi um daqueles gênios da raça que partem cedo deixando um imenso legado para a arte e a cultura de seu país.

Também foi jornalista e escritor, publicando livros e peças.

Um de seus livros mais interessante é o Diário de um Cucaracha (1977) que aborda o período em que Henfil exilou-se nos EUA para fugir da ditadura, lançar-se no mercado de quadrinhos do exterior e tratar a hemofilia (tanto ele quanto o irmão, o sociólogo Herbert de Sousa, o Betinho, contraíram AIDS após uma transfusão de sangue nos anos 80), descobrindo, “na pele”, o preconceito dos americanos para com os latinos.

Henfil passou três anos nos Estados Unidos e teve seus desenhos publicados apenas em revistas underground, pois os grandes jornais achavam seus cartoons “dementes”.

O livro é um achado e mostra bem o que resta aos “Cucarachas” (baratas) latino-americanos que se aventuram nos EUA: subemprego, crime, exploração e preconceito.

O livro pode ser encontrado em sebos e nas Bibliotecas da Urcamp e Dr Otávio Santos.

Outras Obras de Henfil
Hiroxima meu Amor, 1976.
Fradim de Libertação, 1984.
Dez em Humor, 1983.
Diretas Já, 1984.

Para saber mais:

Tarso de Castro: 75 kg de músculos e fúria, de Tom Cardoso. Editora Planeta, 280 páginas. Valor: R$ 37,50.

Tendo como título a frase de abertura dos textos que Tarso de Castro (1941-1991), publicava. O livro do jornalista Tom Cardoso é uma boa oportunidade para as novas gerações conhecerem um pouco sobre o jornalista gaúcho (natural de Passo Fundo) que fundou o Pasquim e viveu uma vida polêmica.

Conhecido pelo texto ácido e por suas polêmicas criadas, Castro misturava várias lendas criadas sobre a sua figura, com a habilidade ímpar de cultivar inimizades, como a que criou após sair do Pasquim com seu ex-colega de jornal Millôr Fernandes, nas palavras de Castro, um homem corroído pela inveja e pelo poder.

Boêmio de plantão e amigo de “feras” como Glauber Rocha, Vinicius de Moraes, etc, Tarso de Castro era de um tempo em que fazer jornalismo era gerar discussão e revolucionar através da palavra, enfim: bons e velhos tempos!

O verdadeiro “blue lamento” de Lígia

2011-04-13T06:06:00.000-07:00

Fechei o livro. Liguei a tevê e pensei no que poderia ser feito para aquela noite mudar. Pensei no fim do mundo que virá tão cedo nas minhas crenças, que perdi as esperanças de encontrar uma amada que ame amar até morrer. Era melhor ficar quietando a língua e esperar por um novo pensamento que traduzisse toda a apatia e conformismo habitual, o mesmo que estupra qualquer forma de criatividade e faz com que a maior vitória humana seja praticar masturbações no escuro do quarto.

Que se dane a obrigatoriedade da segurança! O mundo é tomado de armadilhas, mil trilhas para o destino, para que no fundo apenas ele, possa se destinar sozinho, sempre com a sua escolha e livre arbítrio. Uma vida selvagem e primitiva, com nascimento, com entorpecimento, com envelhecimento e morte, espera sempre romper as entranhas da mediocridade.

Então, se eu reclamasse agora, no mínimo traria um pranto vulgar e bem poético com rimas e estrofes delineadas pelas normas acadêmicas. Mas não posso contar decassílabo quando a porra do mundo está agonizando lá fora! Só o que posso fazer é pular na fogueira e arder também. Não posso falar nem isto, nem aquilo, sem que minha voz não esteja muda. Seja pela vulgaridade da pompa e das medalhas que ditam os homens verdadeiros ou pela certeza dúbia e paradoxal que faz com que estupradores, homicidas, paranóicos e corruptores sejam idolatrados por verdadeiras latrinas ambulantes.

Por isso dispenso ídolos neste momento... Queimem todas as glórias em um velho cinzeiro.
Quando eu morrer deixarei na terra apenas palavras, que unidas ventarão como pétalas e folhas de outono, sem nunca estancarem.

2

Um cheiro de morte toma conta da memória e ela sussurra arrependimentos para aqueles velhos senhores que ficam espalhando pedaços de dor para os pombos. Ela passa por entre os ciprestes com uma leveza estranha. É a moça bonita sem namorado que caminha devagar pela praça da cidade.

Ela é a menina de olhar perdido que dá risadas engraçadas e que pensa no futuro sempre pela perspectiva da lógica, como se tudo pudesse ser dois mais dois. Ela é do final dos anos oitenta e nunca soube o que era amor de novela, mas sabe como poucas, esperar por um amor cheio de lirismo de bar.

Ela é a menina que fala baixinho e faz com que todas as coisas sejam diminutas para o brilho daquele sorriso.
O mundo não tem vez para aquela menina. Sem sonhos, planos, desejos ou beijos assaltados, nada impede a tristeza neste mundo quando ela suspira que ninguém lhe quer amar.

Ela colhe o por do sol no quarto sempre com as janelas abertas, esperando um verso, ela só quer um verso que um dia seja dito. Ela sempre adormece com os olhos negros.

Alguns preferem fechar os olhos e cantar balançando os braços. Outros acendem cigarros e desenham borboletas de fogo pela escuridão. Mas os tímidos sempre têm o medo de acordar. Esperam que um dia o próprio tempo canse de esperar nessa paz tão absurda e violenta, que acalma pelos cantos aqueles medrosos não suicidas.

Em círculos, os amantes jazem pelo salão, escutando um sax adormecer os corações enlutados. Em algum desespero escrito em portas de banheiro, ficaram as juras de mil mortos.

Os amantes embriagados sempre tomam conta das avenidas cobertas por árvores e, nelas vigias absortos, deixam um recado que vem e vai às gotas de lágrimas ou chuvas de janeiro.

Ela diz que o ama pela vida toda e ele responde: “Amor, não te deixarei até o próximo carnaval...”.

Palavras sempre são ditas na intenção de esconder alguma violência física que jamais seria permitida.

Dois corpos dividem a dor em cada parte por serem amantes. Viciados sempre afirmam um falso “nunca mais”, mas logo retornam à ilusão como crianças com anseio de serem reis e rainhas de algum reino escondido em uma terra do nunca.

3

Na tevê, um Romeu gordo passeia a vista pelas candidatas ao amor verdadeiro em um programa dominical.

À venda na parada de sucessos um arrependimento cheio de clichês e um coração safenado também esperam sua chance de fazer promessas... Tantas corroídas por mentiras.

E com receio, bate à porta, um estranho com postais de um ano novo que nunca chegou. E ele pensa que seu corpo prefere à sombra, a uma luz não fecunda.

Sua rainha está bem longe, nem as estrelas ele pode alcançar, ele pensa. E com o sereno da noite toda a vigília passa brilhosa, são tantas e tão lindas que parecem sair de um desenho de beleza arquitetônica, mas sempre elas passam e desviam o rosto. Engendram um estranho jogo, para morrerem sozinhas no banheiro, esperando, esperando, esperando que você chegue e fale um verso, algo que pareça com um sonho desenhado.

“Não terás meu amor, se continuares em silêncio!”, diz a Madona de vidro e maquiagem. Uma oferenda ao medo que apossa as almas... Uma puta tão inocente, que feitiço nenhum dobraria aquela valentia de ser uma mulher da rosa mais vermelha que jamais teria a tinta coagulada.

"Tudo bem assim, sempre culpará um amor desfeito em um blue lamento naquele tempo que nunca foi o nosso tempo", diz a mulher que tanto amor me deu.

Melhor desligar a tevê e encher a cara com “vida ao vivo”. Todas bem bonitas e pútridas tomadas de rotinas adulteradas por vícios baratos. Era o bar minha única saída.

4

Ela dança um blue. Ela sempre faz isso quando ninguém pensa em dar alguma olhada. Talvez, seja só uma ferida no coração que logo vai passar, pensa o Léo. “Grande coisa! Todo mundo se diverte com a decadência alheia”.

Na mente deteriorada da menina, ela se acha uma deusa indiana com todos aqueles braços saindo do corpo branco e esguio.

Ainda não sei o seu nome, mas poderia lhe dar um nome qualquer. As pessoas precisam de nomes hoje em dia. “Que tal Josefina?”, pensei na hora. Nome histórico... Ah! enfadonho. Eu sempre pensei que certos nomes dependem dos períodos históricos. Ela tinha cara de Sara, talvez Dulce.

Descobri mais tarde que era um nome comum, desses que se escolhe na falta de opções, ou por desamor ao filho que virá ao mundo. O nome dela era Lígia. De fato era forte. Soube que era Lígia quando ela tentou se pelar na frente de todos. Estava em cima da mesa e dançava para si mesma uma canção de Dylan, com aquele sorriso embriagado, forte e vil. Na sorte de ver a futura mulher da minha vida, eu pedi outra cerveja. No fundo, deveria arrastar a curiosidade para algum canto e apenas sonhar com a tal Lígia. Nome curto. Era que nem ela, uma pequena morena de pele tão clara que nas trevas podia se enxergar aqueles ossos, aquela cintura, e os seios pequenos.

Lígia foi presa à força na cadeira pelos amigos. Ficou lá, com cara de dopada, pedindo para que todos dessem as mãos e cantassem algo dos Beatles. Ela, no íntimo, sentia-se em 1967. Tudo bem, eu aceitaria qualquer momento histórico ao seu lado. Estava caído platonicamente por uma viciada em drogas, tão esquelética que parecia que as garrafas vazias seriam mais forte que os seus ossos cruzados. Não tinha medo e colocava a língua para fora desejando que todos se fodessem com seus manuais de boa educação.
Lígia seria por tempos e mais tempos a dona dos pensamentos, povoando minha imaginação, sendo minha única musa.

5

Ela gostava de sentir-se como uma musa. Para sempre seria uma gardênia se jamais descesse ao plano dos mortais, ou daquela mesa de madeira vagabunda e já molhada de tanto trago.

Ela pedia para ir ao banheiro. Queria esquecer do fiasco, se trancar um pouco e arranhar a pele. Após, toda a febre e, mais músicas tocadas por um infeliz cantor de reggae, ela voltava ainda mais deprimida.

Nos dias de céu escuro ela pede amor, ela pede uma voz rouca, que rompa o céu e traga o sol.

As janelas estão sem cadeados e as mãos unidas selando uma felicidade antes tão rejeitada.

Ela quer que alguém lhe dê amor além do que o seu coração possa envenenar.

Ela quer que parem de lhe ver como a moça de sorriso quieto.

Ela quer ser apenas uma mulher.

Ela não espera mais pelo príncipe, nem pelos pais a lhe socorrer.

Tão cedo adormece a língua e ela insiste em escrever, escrever para que alguém possa de longe ver, o seu choro, o seu mais bonito choro. Ninguém imagina que aqueles olhos foram feitos para chorar. Ninguém sabe do seu amor, nem ela pede. Com o tempo, indo para a cidade de luzes eternas, ela se acostuma a virar as noites tão sozinha.

Mas as estrelas jazem de perto e, na sua fantasia, ela pode até tocá-las. No entanto, ela é esperta e sabe se virar na escuridão plena de uma noite sem luar. Cata as bolsas, investe na mentira, se faz fortaleza e na cor rubra dos lábios, ela pode cortar àqueles que quiserem mais de um luar.

6

Eu volto para o silêncio. Ela se dissipa por inteiro em uma névoa de devaneios. Lígia é uma menina tão frágil e amada, que também esconde bêbada, mais uma fantasia.

Acorda cedo, cansa as olheiras com novas alquimias e vai cantar sossegada um novo blue, enquanto debulha feijões como numa prece vulgar.

Ela é a menina mais triste que alguém poderia amar.

01/02/2009 - Imagens da atriz Soledad Miranda (1943-1970) - Musa do diretor Jess Franco.

Resenha do livro “Guia Politicamente Incorreto da História do Brasil”

2011-04-08T15:14:00.000-07:00

História do Brasil: jornalista tenta desmistificar vultos e fatos históricos, mas acaba provocando apenas um discurso reacionário e conservador

Eu ganhei de presente de aniversário um livro sobre a história do Brasil escrita pelo jornalista Leandro Narloch. O livro tem o sugestivo título “Guia politicamente incorreto da história do Brasil”. Li a obra numa tarde, o que demonstra a qualidade do livro como literatura. É a típica obra em que a leitura vai numa tacada só, isso porque se trata de “causos” que envolvem nossa compreensão de Brasil e fascinam pelos argumentos e “teses” defendidas pelo jornalista, porém, nem todas as provocações de Narloch são eficientes em seu papel de pesquisa imparcial como “o outro lado da história brasileira”.

O livro é bem criativo no nome e com visual primoroso, cheio de ilustrações e com uma capa que remete a um “Sargent Peppers tupiniquim” com vários vultos da história e cultura nacional. A obra de Narloch tem o propósito de cutucar algumas idéias sacramentadas sobre heróis e heroísmos de nossa pátria mãe. Contudo, mesmo que o livro seja muito bem escrito - o que representa uma leitura de fácil entendimento, sem academicismos, além de estar guarnecido por uma profunda pesquisa - a sensação é de que o livro subliminarmente seria um tiro ideológico contra esse Brasil governado por “esquerdas” - acaba soando como uma obra bem humorada sobre a necessidade de desconstruir certos marcos e fatos históricos. Uma piada de humor negro, pois só assim se justifica a velha necessidade ideológica de dizer que a ditadura no Brasil não foi tão “nefasta” para o país.

Se o interesse era provocar a ira daqueles que aprenderam a historiografia politicamente incorreta com o guia, ele fracassou. Isso, porque não há como enfurecer qualquer cidadão com bom senso e sem ideologias partidárias que lê o livro como “outro lado da história”. O livro destaca sempre com algum tipo de ranço ou revanchismo uma visão de uma classe social que perdeu o bonde em algum verão da década de 70. Daí, Narloch, como aquelas “viúvas” do milagre econômico, se valeu da ação de jogar inúmeras citações e informações que provocam a confusão de mostrar, também ideologicamente, apenas um lado da história, algo que ele reitera foi o motivo de produzir um livro critico.

Exemplos? Vários. Quando ele fala que dezenas de gerações aprenderam que o Brasil imperialista destruiu, com ares de extermínio o Paraguai, ele se equivoca. Eu estudei Ospb e Moral e Cívica no final dos anos 80 e lembro muito bem o que se aprendia nas cartilhas: Solano López era um tirano sanguinário que teve o que mereceu. Logo, a tal versão clássica que ele contesta, é uma versão recente que há pouco está inscrita nos livros de história.

Quando ele destaca um capítulo inteiro sob o termo “comunistas”, a piada passa a ser hilária. Isso porque é só pesquisar as empresas que o nobre jornalista trabalhou, tais como a Editora Abril e, principalmente, a revista em que ele foi repórter, Veja, para entendermos o porquê de toda esse desejo de vingança em 37 páginas. É nesse espaço dedicado aos seres do mal, conhecidos como “comunistas” que notamos o mesmo discurso empregado pela Veja há quase dez anos.

Ora, ele defende que a repressão só existiu a partir de 1968 e isso porque os jovens “terroristas” assim desejaram por provocarem o caos social com seus espíritos malignos e vermelhos. Claro, na opinião de Narloch, tivemos um período de paz que vai de 1964 até 1968, nele o país viveu uma maravilhosa democracia militarizada, um paraíso tropical sustentado pela CIA em que centenas de prisões, banimentos, censuras e a transformação do pluripartidarismo em apenas duas opções políticas, a Arena e o MDB são exemplos da fina flor da democracia.

Mas Narloch vai além: quando ele aponta para o velho conceito de que houve o golpe de 1° de abril de 1964 porque o Brasil estava prestes a ser “invadido” por comunistas, num golpe articulado com os guerrilheiros de Cuba, temos a mesma justificativa para os 21 anos de militares no poder. No entanto, ele não fala do dinheiro jogado na América do Sul para que fosse patrocinado tal golpe, dinheiro advindo de uma política fascista dos EUA que empregava sua Doutrina de Segurança Nacional. Eram os tempos de Guerra Fria e o próprio golpe dentro do golpe que permitiu com o AI-5 os tempos de linha-dura foi um plano arquitetado por militares ávidos pelo poder total que tinham no apoio norte-americano a base para suas ações.

Como falei anteriormente: o livro é muito bom e passa a ser um guia para contextualizar diversos fatos históricos, mas, assim como a história que ele critica, a abordagem do autor também não deve ser levada como verdade absoluta, afinal mesmo que seja farto em documentação e fontes históricas, temos um livro com detalhes pinçados para legitimar uma posição parcial. Portanto, com a pretensão de fazer barulho, Narloch consegue oferecer informações históricas relevantes, também bons momentos de humor, mas nunca uma história geral, sem ideologias.

Espera-se que haja um novo guia, dessa vez desconstruindo outros mitos e heróis da política e cultura nacional. Seria interessante ver Narloch comentar sobre FHC posando como prefeito eleito de São Paulo em 1985 e depois perdendo o cargo para o “vassourinha” Jânio Quadros, num perfeito caso da velha arrogância política e cultural das elites “brazucas”, ou então abordar a posição da revista Veja na tentativa de desestabilizar o governo Lula, ato que soa ridículo para qualquer um que lê a publicação com o mínimo de senso crítico, tudo isso porque uma revista que se diz preocupada com a informação imparcial acaba soando como aqueles fanzines xerocados de fãs xiitas de grupos punk do começo da década de 80. Isso sem falar que há diversos vultos históricos que poderiam ser criticados pela escrita do autor, de militares a empresários de renome, passando por jornalistas metidos a donos da verdade.

Narloch conseguiu publicar um bom livro de humor. Agora, o jornalista sofre um fracasso retumbante quando deseja irritar quem gosta de imparcialidade. Ao defender uma história “não-marxista” ele produz uma história capitalista e também antidemocrática, não isenta de reacionarismos ideológicos, isso porque num livro feito por jornalistas é vital a idéia de que qualquer boa reportagem parte do principio de apresentar os dois lados de qualquer questão, o que não temos em “O Guia Politicamente Incorreto da História do Brasil”.

Anvil: ética e honestidade profissional em documentário

2011-04-08T14:42:00.000-07:00

Recentemente eu vi o documentário Anvil – The Story of Anvil (2009) e posso garantir que a experiência foi fantástica não apenas por eu ser um apreciador de rock e heavy metal, mas porque o filme fez com que eu refletisse sobre vários aspectos, inclusive os de ordem pessoal.

O filme do diretor Sacha Gervasi aborda a história da banda canadense de heavy metal Anvil que foi uma das grandes influências de ícones do estilo como o Metallica, porém a tônica da obra é registrar o dia-a-dia de um grupo que por mais de trinta anos tenta o sucesso e não consegue, além de passar por maus bocados em sua trajetória.

É comovente ver a batalha dos músicos que sobrevivem com outros empregos e não desistem dos sonhos de um dia tornarem-se “astros do rock”. Mesmo com famílias para sustentarem, eles seguem os seus ideais de forma autêntica e ética e não mudam seu posicionamento quanto à banda. Ou seja, não desistem dos seus sonhos, mesmo que quase sempre se dêem mal na busca por eles.

O mais importante do documentário é essa lição: seguir seus sonhos profissionais sem se vender. Não trair seus princípios e valores em busca de uma falsa ascensão profissional. Ser autêntico, não importa que a moda em nossa sociedade diga que isso é ridículo!

Eu tirei essas lições e fiz uma reflexão sobre meu trabalho e meus ideais. Cheguei à conclusão que sigo pobre e até com mais dívidas do que alguns anos atrás. Mas sou orgulhoso de ter escrito e construído coisas sem pedir a “benção” de ninguém. Também é valoroso saber que nunca precisei mudar minha “identidade” para ser aceito nessa sociedade, tudo que fiz, disse e pensei, fiz com o coração e com meus ideais, mesmo que isso implique ser olhado como um “á margem”. No entanto, essa experiência é fascinante, porque quando se conquista algo, sabe que é de verdade e isso faz com que o trabalho seja feito com paixão, não por meros símbolos de status. Outra coisa interessante é que com o tempo passa-se a perceber quem é quem nesse jogo. De fato, eu adquiri bons colegas e amigos de trabalho nesses anos e pude também perceber o quanto de traíra existe à nossa volta.

O que saliento é que por mais complicada que seja a estrada é necessário segui-la de forma honesta, principalmente consigo mesmo.

Como disse o jornalista Antonio Carlos Monteiro, da Roadie Crew: “O que vale a pena nessa vida, no fim das contas, é ser correto, sincero, honesto e ético. É por isso que o Anvil, mesmo depois de trinta anos está experimentando o merecido sucesso.”.

Agora, o Anvil colhe esses frutos. A banda é convidada desde o ano passado para diversos festivais nos EUA e Europa e o novo disco This is Thirteen, saiu por uma major. Enfim, a banda não é uma unanimidade (até porque como diria Nelson Rodrigues a ‘unanimidade é burra’), mas é um dos grupos mais importantes do final dos anos 70 e começo dos 80. Muito do que conhecemos hoje no metal se deu a grupos como Anvil, Exciter, Diamond Head, Venom e Raven, por exemplo, portanto é muito bom saber que por mais árdua que tenha sido a carreira desses gringos, agora eles, finalmente, conseguiram seu lugar ao sol.

Novela Ronaldinho Gaúcho: quando o excesso de especulação transforma notícia em piada

2011-01-10T04:13:00.000-08:00

Ronaldinho e Galliani: Sorrisos para os cariocas; lágrimas para os gaúchos

Em tempos de redes sociais e de múltiplas ferramentas de interatividade entre leitores e jornalistas, o caso, ou melhor, a “novela” Ronaldinho Gaúcho foi um dos maiores exemplos do excesso de má-informação do jornalismo atual. Houve mais achismos do que notícias palpáveis. O que era a simples cobertura de uma transação milionária do futebol mundial acabou tornando-se uma piada midiática. Tudo porque foram dias e mais dias de “circo” em que todos os dias os jornais, principalmente de RS, RJ e SP, davam como certa a contratação do jogador por clubes desses três estados. Claro, que quem lucrava com todo esse espetáculo foram os principais interessados: o jogador Ronaldinho Gaúcho e o seu procurador, o irmão e ex-jogador profissional, Assis. O que se viu foi um grande leilão potencializado pela cobertura da mídia que diariamente transmitia especulações como se fossem informações.

Nesses tempos de cibercultura, pós-modernidade e tantos outros termos que procuram decifrar a velocidade das informações na era da internet, quem perde é a imprensa. Isso fica evidente quando jornalistas experientes são “pautados” por comentários em ferramentas sociais como o Twitter, por exemplo. Pior é a dedução dos “profissionais da área” que batem o martelo e assinam suas reportagens como se a verdade os pertencesse. No caso Ronaldinho Gaúcho, só houve uma verdade: ele quer a vida mansa e nada melhor do que jogar no Flamengo e curtir os prazeres da “Cidade Maravilhosa”.

O jornal gaúcho Zero Hora insistiu durante um mês que Ronaldinho voltaria para casa e seria, consequentemente, a maior contratação da história do Grêmio Football Porto Alegrense.

Analisando agora, percebe-se que o veículo de comunicação deveria ter apenas como fonte a diretoria do clube, porque talvez só ela pensasse que era certa a vinda do craque para o plantel de Renato Gaúcho. Porém, a novela teve inúmeros capítulos e, o tão propagado amor de Ronaldinho pelo Grêmio era uma falácia, um embuste, uma enrolação.

O problema é que faltou combinar com Ronaldinho e Assis qual seria o final da novela.

Se a imprensa gaúcha teve dias de sonho e fantasiou com as inúmeras pautas que Ronaldinho Gaúcho ofertaria, logo acordou caindo da cama e voltando à realidade.

Após o grande “espetáculo” da coletiva no Copacabana Palace, no Rio de Janeiro, era evidente a má vontade do jogador em voltar ao Grêmio, porém a imprensa gaúcha seguia o desejo da direção e comemorava que o negócio estava certo. O “show” no Rio de Janeiro era apenas para despistar e “apimentar” ainda mais a trama, que agora já era mais para Projac do que RBS.

Contudo, a pergunta era: Se Ronaldinho estava certo no Grêmio porque realizar uma coletiva no Rio de Janeiro?

Para a Zero Hora e, principalmente para o jornalista enviado ao Rio, Leandro Behs, a resposta era simples: Ronaldo e Assis queriam apenas “agradar” ao vice-presidente do Milan, o empresário Adriano Galliani, um notório apaixonado pelo Rio e pelo...Flamengo. Contudo, o repórter foi mais longe na sua percepção de “homem da imprensa”, para ele, a observação da fala de Assis e Ronaldinho eram cheias de “símbolos e códigos” que, se bem traduzidos, como ele fizera, indicavam qual seria o destino do ex-craque do Barcelona e Seleção Brasileira.

Num trecho da reportagem “Tanto barulho...”, publicada no dia 7 de janeiro, Behs afirma: “O retorno ao Grêmio foi indicado nas declarações finais. Logo depois que Galliani declarou-se “torcedor do Flamengo”, mas apressou-se em afirmar: a decisão seria de Ronaldinho e do irmão, que respirou fundo: - Ainda estou administrando as palavras do seu Galliani (risos)”.

Em outro trecho, Behs, munido dessas “informações” discorre: “Ronaldinho voltará para casa. O contrato pode ser assinado ainda hoje em Porto Alegre. Nos bastidores, Assis e Ronaldinho precisavam se livrar de uma situação difícil na qual foram colocados. Galliani ama o Rio. Tem apartamento no Leblon e é casado com uma brasileira. E também precisava dar uma resposta oficial aos torcedores italianos”.

O fato é que o jornalista utilizou apenas de sua interpretação, mas sem dados concretos de informação, para afirmar sobre uma transferência que para qualquer leigo em jornalismo ou futebol, já dava sinais de que seria acertada com o clube do Rio de Janeiro.

Essa interpretação fica evidente quando Behs transcreve que “colocados em uma saia justa por Galliani, os irmãos Assis Moreira não esconderam certos constrangimentos em determinadas perguntas – sobre o Flamengo. Ronaldinho respondia, baixava os olhos, dava um sorriso, segurava o queixo com a mão esquerda, deixava a boina cair nos olhos em alguns momentos. Tudo para escapar de tomar posição. Está com as malas prontas, voltando para casa.”.

A Zero Hora, assim como outros veículos do Rio Grande do Sul tiveram apenas como “fonte oficial” a direção do Grêmio, essa já dava como certa a contratação. Um vídeo no You Tube mostra o discurso do presidente do Grêmio Paulo Odone afirmando, na reapresentação do plantel da equipe, que Ronaldinho Gaúcho já era do Grêmio.

O resultado? Uma novela com final de comédia pastelão. Tanto o Grêmio - e a imprensa gaúcha - tiveram que engolir a transferência do atleta para o Flamengo e o pior: não tiveram a humildade de assumir que estavam errados em suas “conjecturas”.

O sonho acabou e a imprensa gaúcha com toda sua cota de especulações sai chamuscada com suas notícias que davam como certa a contratação milionária. O momento é de culpar os culpados e eles já têm nomes. Agora os vilões são Assis e Ronaldinho Gaúcho. Galliani encarna o papel de assassino do “sonho” e o Rio de Janeiro, com suas praias, samba e mulatas passa a ser o inferno astral para aqueles que deliravam com a presença do craque no Rio Grande do Sul.

Que venha o Campeonato Gaúcho, o inverno e as notícias corriqueiras!

Estiagem ganha projeção nacional via Rede Globo

2011-01-04T19:17:00.000-08:00

Mal o ano de 2011 começou e Bagé ganha as páginas da imprensa por um velho tema para as pautas: a estiagem que assola a região da campanha. O problema atinge a todos, mas, principalmente, para quem tem poucas condições de enfrentar esses períodos de exceção, em que a cidade sofre com um drama histórico.

A questão deste artigo não é criticar o assunto, ele é atemporal em termos da região da Campanha. Porém, o que causa a crítica para tal abordagem é a cobertura da mídia local sobre a “visita” da Rede Globo aos pampas.

O discurso da mídia foi quase como a de que um ser “onipotente” pousasse em nossa terra para conduzir-nos à redenção. Indo além, poderíamos comparar-nos como meros seres insignificantes em nossa prosaica rotina que, por fim, somos abençoados com o olhar “global”, um olhar tão forte que pode ser a salvação para todos os problemas.

A Rede Globo aportou em nossa querência e jogou, segundo a cobertura local, uma luz às trevas que nos mantém por anos no problema da estiagem. Assim, como outras localidades do país, todas com seus problemas, a Globo tem como política editorial para o Jornal Nacional ir aos rincões do país para “descobrir” os problemas e as curiosidades de locais em que tudo falha, principalmente o poder público.

Quem acompanhou a mídia televisiva e impressa de nossa cidade notou o discurso “encantado” pela visita do JN à Rainha da Fronteira. Nos discursos emitidos pelos veículos, em nenhum momento repercute que tal exposição fosse, de fato, para questionar com profunda contundência o poder público da cidade, que há décadas empurra com a barriga o problema das estiagens, que qualquer pessoa nota que são costumeiras por estes lados.

A visita da Globo é saudada com um certo orgulho, pois é a maior emissora de televisão do Brasil que vem ao nosso rincão espelhar a cidade para todo o território nacional. E isso sem contar o espaço nobre que é o do JN em termos de mídia.

Bagé está mais uma vez famosa. Sim, está famosa como sempre esteve pela mídia, quase sempre por pautas peculiares: estiagem; queda de balão com milionário; esconderijo para juízes corruptos, entre outros fatos.

O problema da cobertura local para a visita do repórter André Luiz Azevedo, da Rede Globo, é que ela ganhou a tônica de deslumbramento pelo simples alcance midiático que isso resultará em minutos em cadeia nacional. Essa exposição deturpa o real questionamento da pauta da Globo: Como a estiagem afeta uma das principais cidades da pecuária e agricultura do país?

A notícia ganha outra conotação quando o assunto não é mais a estiagem e, sim, a visita do repórter “global”.

O repórter não fará nada além de ressaltar aquilo que todo bageense já sabe e, principalmente, àqueles que viveram a grande seca de 89/90: a região sofre de uma agonia histórica que atinge à todos, mas que resulta em algum proveito para alguns mais favorecidos.

Não é o André luiz Azevedo ou seu seu poder como repórter de uma das maiores emissoras de televisão do mundo que irá sanar o problema da estiagem. Esse problema, muitas vezes é benéfico, vide a grande “indústria da seca” que perdurou por décadas no nordeste dos coronéis.

O questionamento é simples, mas sempre bem colocado: Por que os governos anteriores não construíram a barragem que agora é tão propagada via mídia, como pudemos perceber no Jornal do Almoço da semana passada?

Por que só agora há essa comunhão para que a tão esperada barragem saia do papel?

Questionamentos “inocentes”, mas que povoam a mente daqueles que convivem apenas com 12 horas de água. Perguntas necessárias para tantos que utilizam baldes, panelas e garrafas pet para encher de água e suprir as necessidades mais básicas de qualquer ser humano.

Tão logo a resposta será divulgada com o mesmo discurso de outros anos, entendemos como é a roda-viva da política nacional. Aquela mesma que de quatro em quatro anos visita a periferia para “ouvir” os problemas do povo, mas que durante o mandato se distancia de qualquer contato com as camadas mais pobres.

O fato é que a mídia local deveria usar seu poder de instrumento de comunicação para não exaltar com tanto orgulho o espaço cedido pela Globo aos nossos problemas. Deveríamos era contar com uma reportagem ainda mais incisiva, não a de registrar a chegada de um repórter do Rio de Janeiro, como se ele fosse uma estrela do showbizz.

Outra coisa que poderia ser discutida na reportagem da Globo é o anúncio da construção da barragem para 2012. Curiosamente, a barragem ficará pronta em ano de eleições municipais...

Enfim, mais do que valorizar a presença de um “império da comunicação” em nossa cidade, deveríamos era questionar se ao invés de “orgulho”, não deveríamos ter constrangimento, afinal a tão falada Rainha da Fronteira, a “Terra da Carne”, dos grandes haras e dos cavalos premiados mundo afora, mais uma vez é destaque nacional pela mídia e, mais uma vez, torna-se notícia com um assunto tão depreciativo. É para refletir.

A Cultura do Rock - Imagem, Som e Clichês - (parte I)

2010-12-28T06:19:00.000-08:00

1 - O poder da imagem no rock

Voltamos aos anos 60, período em que a indústria cultural estabelece (e consolida) um novo mercado para o famigerado estilo musical da juventude, o rock, que passa a ser um produto de sucesso comercial cada vez maior. Nesse período (década de 60) as gravadoras destinavam mais e mais recursos para que as bandas produzissem, acima de tudo, uma imagem que auxiliasse nas vendas dos elepês. Claro, em comparação com os dias atuais, é inegável que a música ainda era o fator principal para uma banda fazer sucesso, mas é a partir dos anos 60, que artistas plásticos, desenhistas e fotógrafos irão moldar uma imagem para o rock que surgia, um estilo com conotação mais política e consciente de seu papel social, do que o som divulgado na década anterior por nomes como Elvis Presley, Chuck Berry, entre outros.

Se formos analisar as capas de discos da época podemos notar uma preocupação nascente em trabalhar com conceitos novos, e o psicodelismo - cultura divulgada em larga escala no ocidente a partir de uma combinação que envolvia misticismo oriental, filosofia e cultura das drogas e do amor livre, tornou-se um viés para que formas coloridas e saturadas dessem o tom, além do tradicional “capa-com-foto-da-banda".

A arte psicodélica começava a dar as caras em capas de discos de bandas renomadas como os Beatles em Revolver (1966), e de grupos underground como a americana 13Th Floor Elevators em seu The psicdelic sounds of the 13 th Floor Elevators. A moda da distorção de imagens com letras em formatos surreais e, a saturação de cores, pretendia ilustrar aos ouvintes a uma viagem de ácido. Com essa proposta em voga espalharam-se estúdios como Hapshash & The Coloured Coat e Family Dog.

A imagem psicodélica passou a ser uma constante em capas de discos, bem como os altos custos em produção para que se obtivessem resultados primorosos e inovadores. Quem estava atento a essa fase do rock eram os Beatles que farão uma espécie de “radiografia” do ano de 1967 com a psicodélica capa de Sgt. Pepper´s Lonely Hearts Club Band. A capa desenvolvida pela empresa de design MC Productions com fotografia de Michael Cooper e um trabalho de colagem realizada pelo artista plástico Peter Blake, traria uma concepção surreal de referências do universo pop ao mesclar a banda com celebridades que iam de Marlon Brandon, Karl Marx, Fred Astaire, Aleister Crowley, Oscar Wilde, entre outros.

O disco até hoje é considerado a maior obra do rock e definiu novos parâmetros para o estilo: além de discos com boas canções, era de grande valia a parte estética das capas de cada lançamento.

Se a arte psicodélica atingiu em cheio as capas dos álbuns de rock, logo ela se espalhou para outros formatos de divulgação. Os cartazes de shows foram vitrine para diversos artistas plásticos. Os pioneiros na criação de cartazes psicodélicos foram os músicos George Hunter e Mike Fergunson do grupo The Charlatans. Os dois, que eram usuários de LSD, desenvolveram em 1965 o pôster para o show de estréia da banda. A obra conhecida como “The Seed” (A semente) apresentava um estilo diferente para os padrões de arte gráfica da época, o que traria uma grande influência para o cenário pop.

Segundo a artista plástica Natália Cristine em artigo publicado no site Rock Puro, o pôster é uma mensagem visual feita pela mistura de palavras e imagens gráficas (abstratas ou pictóricas), com a intenção de gerar uma impressão instantânea no espectador. Tendo como objetivo conduzir o público a uma ação específica: ir ao teatro, comprar um produto, tomar uma posição política ou social...

"Direcionados para uma audiência jovem, rebelde e, também usuária de drogas, os cartazes psicodélicos geraram um grande impacto para a época! Para muitos, essas imagens tinham difícil compreensão, causado pelas composições confusas onde as mensagens eram quase ilegíveis. Um redemoinho de linhas e cores destoantes. Alguns pôsteres tornaram-se quebra-cabeças para serem entendidos em primeiro instante por pessoas que conheciam a experiência e diferentes sensações causadas proporcionadas pelo uso do LSD." (CRISTINE, Natália. Expansão do movimento psicodélico. Disponível em http//: www.rockpuro.net).

Os cartazes psicodélicos divulgando shows no The Filmore Auditorium, em São Francisco marcaram o “verão de amor” da cultura hippie. O auditório organizado pelo empresário Bill Graham, e liderado pelo produtor Chet Helms, dava espaço para as bandas que surgiam naquele período, tais como: Grateful Dead, Jefferson Airplane, The Doors, Love, entre outros nomes do flower power.

Na Inglaterra os cartazes de shows da "swinging London" também traduziam em cores berrantes os delírios psicodélicos de uma geração. Os artistas Michael English e Nigel Haymouth estilizaram diversos pôsteres de apresentações que ocorriam no clube UFO, que assim como o Filmore, em São Francisco, servia de palco para bandas ainda restritas ao underground como Pink Floyd, The Move, Soft Machine, entre outros.

A popularização do rock como um produto comercial, mas ainda, divulgado como “instrumento” de revolta para a contracultura, aos poucos consolidou, como já vimos anteriormente, uma grande rentabilidade para toda uma indústria que envolvia gravadoras, rádios, bandas e imprensa. Com isso, houve a necessidade de uma mídia especializada nesse “produto” cultural. É a partir desse momento que o rock se profissionalizava tendo uma imagem e identidade "vendida" naquele contexto social da década de 60.